APPUNTI DI JAZZ

Jump (o jumpin'(g) o Jumpy lett. "salto") Video

2011-07-21T06:54:00.000-07:00

Jumpin' At The Woodside (Count Basie 1938)http://www.youtube.com/watch?v=WxSccg5l9fw

Jump

2011-07-02T05:40:00.001-07:00

Jump (o jumpin'(g) o Jumpy lett. "salto")

Vivace animato in particolare nel ballo tra il 1937 e il 1944 jump sostituisce swing e stomp per tutto quello che nel jazz è allegro e vivace (bounce) jump band, jump music, jump tune La big band di Jimmie Lunceford o i combo di Louis Jordan o di Stuff Smith sono dei prototipi di jump band che più tardi daranno vita alle orchestre di stile rhythm and blues, come quelle di Earl Bostic o di Bill Dogett. In molti pezzi dell'epoca figurano le parole jump o jumpin'
O' Clock jump (Count Basie 1937)http://www.youtube.com/watch?v=zXovJ2kRwFo
Jumpin' At The Woodside (Count Basie 1938)http://www.youtube.com/watch?v=WxSccg5l9fw
Jumpin' Jive (Cab Calloway 1939) http://www.youtube.com/watch?v=TCBLczBiEC4
Jump For Joy (Duke Ellington 1941)http://www.youtube.com/watch?v=kW94GNM9FZo
Jumping Punking (Duke Ellington 1941) http://www.youtube.com/watch?v=asLA20jtnRc
Jumpin' With Symphony Sid (Lester Young 1947) http://www.youtube.com/watch?v=xqqIdeiYC64

Jazz creolo o jazz negro

2011-05-28T03:28:00.000-07:00

Jazz creolo o jazz negro

Nei primi anni del ‘900 i musicisti creoli che provenivano in genere da famiglie piccolo borghesi, avevano ricevuto una discreta se non buona educazione musicale; erano quasi sempre pianisti o clarinettisti, alcuni veramente molto preparati e di buona cultura generale. Anche il colore della pelle e i lineamenti con caratteri negroidi meno marcati favorivano una maggiore integrazione (per quanto in misura molto modesta) o per meglio dire una maggiore accettazione da parte degli ascoltatori bianchi. La loro musica era più raffinata, meno primitiva, risentiva della loro preparazione classica e molti furono compositori, arrangiatori oppure direttori d’orchestra di notevole valore.
Al contrario la musica dei negri, quasi sempre analfabeti, autodidatti come strumentisti, era più sanguigna, istintiva e, per certi versi, rozza e primitiva. Anche gli strumenti adoperati erano quasi sempre di costruzione artigianale, improvvisati o adattati da oggetti di uso comune o suppellettili varie.

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Il termine creolo

Il termine creolo deriva dall'antico castigliano criollo (probabilmente di origine latina), e fu diffuso nelle altre lingue tramite il portoghese ed ilfrancese alla fine del XVI secolo, ha significato di nuovo, di nuova creazione, con costume mutato, di nuova costituzione.
Origine

La parola fu inizialmente applicata alle persone di origine europea nate nelle colonie del Nuovo Mondo, per distinguerle ed enfatizzarne i costumi mutati rispetto agli immigrati di classe elevata nati in Europa.

Il termine e le sue varianti in altre lingue (crioulo, créole, kriolu, criol, kreyol, kriulo, kriol, krio, etc.) possono far riferimento a:
una persona di origine europea nata nelle colonie spagnole, francesi o portoghesi d'America
un meticcio nato da un genitore indigeno ed uno bianco, in particolare nelle Antille e nell'America centromeridionale
una lingua creola, ossia un linguaggio nato da un pidgin di lingue europee e locali nelle colonie, o tra lingue originali diverse.

In alcuni paesi, il termine è poi spesso associato ad altri significati:
negli Stati Uniti, ai meticci della Louisiana, con particolare riferimento a New Orleans
in Venezuela, a persone, animali o cose di origine locale, (come il termine castizo in Spagna).

Il qualificativo di criollo si dà, poi, per estensione a tutto ciò che è prodotto da criollos o nell'ambito della cultura creola, come ad esempio ilcavallo criollo, il pan criollo o vals criollo (valzer peruviano) e quindi come sinonimo di "nazionale" (soprattutto nel Cono Sud).
Il significato esteso

Il significato che appare evidente ed ha significato nella cultura umana, ed è per "derivato" ma anche di "di nuova costituzione".

La nuova costituzione non si deve intendere come semplice modifica o variante anche sensibile dell'esistente, ma bensì propriamente diverso, con una derivazione consistente e soprattutto confluente cioè proveniente sensibilmente da diverse provenienze (sia pure in maniera non del tutto paritaria) e quindi diversa dalle originali. La deriva infatti comporta una mescolanza sostanziale delle parti originarie dove ognuna afferisce in modo sostanziale (ed è questa la diversità rispetto ad una semplice influenza).

Gli effetti più noti, ben verificati in qualche specifico caso nella evoluzione umana, sono quelli delle culture creole o quello ancor più noto dellelingue creole, a mezzo dei pidgin.

Condizione pressoché obbligata alla costituzione di una cultura creola è la presenza di una parte trainante ma la assenza di una componente eccessivamente dominante tra le costituenti. In sintesi è necessario che la debolezza reciproca induca la permeabilità reciproca delle parti che afferiscono per costumi, vocabolario, usi ecc. (Una forte dominanza produrrebbe il mantenimento di una separazione tra la dominante e le minori).

È curioso notare che, previo un periodo di approssimazione e disordine in cui le culture afferenti "coabitano" in parte con strumenti comuni sia comportamentali che linguistici modesti, con l'avvento della generazione successiva si costituiscono delle solide regole comuni su usi, costumi, cibi, che in seguito sono assolutamente definite ed uniformate, indistinguibili come origine. Le regole assumono valore comune, condiviso, le lingue si dotano di una struttura complessa economica ed assolutamente organica, del tutto simili per complessità e perfezionamento alle altre lingue. La cultura assume coscienza di sè ed autostima; di norma esiste sempre una cultura di maggior incidenza (ma non di dominanza) e questo determina una impronta specifica culturale, linguistica, morale a cui però non sono esenti le altre.

http://it.wikipedia.org/wiki/Lingua_creola

L'acid jazz

2011-05-28T03:12:00.001-07:00

http://it.wikipedia.org/wiki/Acid_jazz
http://en.wikipedia.org/wiki/Acid_jazz

L'acid jazz è uno stile musicale jazz che incorpora elementi funk, soul, unendoli alla musica elettronica e che, rielaborando il concetto di fusion, punta alla integrazione di numerosi elementi musicali contemporanei.
L'acid jazz si contrappone a quella tendenza del jazz rap che su basi di musica jazz gioca con le parole, ed al contrario focalizza maggiormente sulla componente musicale

L'acid jazz nasce sul finire degli anni ottanta in Inghilterra. La prima testimonianza discografica risale al 1987 con "Acid Jazz and other illicit grovees" su Urban Records, nella quale vengono definiti gli stilemi del nuovo genere e dove sono presenti oltre a Jamie Principle (la parte acid/soul), James Taylor Quartet (la parte jazz-funk).
In seguito i due DJ produttori Gilles Peterson ed Eddie Piller saranno fra gli animatori del genere. Gilles Peterson è un DJ radiofonico ed animatore del Dingwalls a Londra e conia il termine Acid Jazz su ispirazione della acid house e dal jazz contaminato con il funk e con l'Acid rock degli anni a cavallo tra i '60 ed i '70. Sul finire degli anni ottanta escono quattro raccolte della BGP che collezionano il meglio di quel suono (tra gli altri Funk inc, Charles Earland, Brother Jack McDuff). Peterson fonda nel 1989 l'etichetta discografica Talkin' Loud distribuita da Polygram, della quale si ricordano tra gli altri: il gruppo Galliano (sono presenti due ex Style Council, White e Mick Talbot) con la loro fusione di jazz, soul e hip hop; gli Incognito gruppo che ruota attorno a Jean Paul 'Bluey' Maunick con la collaborazione delle cantanti Maysa Leak e Jocelyn Brown, dei quali memorabile è "Jazz/Funk" (1981); i Marxman con i loro hip hop politicamente impegnato e gli Young Disciples; per ultimo il soul di Omar con "There's Nothing Like This".
Eddie Piller, veterano della scena Northern soul e Mod, fonda invece l'Acid Jazz Records (agli inizi con Peterson). Questa etichetta divenne famosa per le compilation "Totally Wired", in cui veniva illustrato e lanciato il genere di frontiera "acid jazz". Questa etichetta lancerà l'artista che diventerà più popolare nel genere: Jamiroquai. La prima uscita del "folletto inglese" è con il singolo "When you gonna learn" (con l'introduzione suonata con il singolare strumento australiano didgeridoo). Jamiroquai, la cui musica è fondamentalmente un mix tra disco music, soul, Jazz e Funk (l'influenza di Stevie Wonder sembra chiara in "Emergency On Planet Earth" del 1992) che si trasformano in sonorità garage house nelle versioni remix di alcuni suoi singoli, strapperà un contratto miliardario alla Sony.
Altri artisti prodotti dall'Acid Jazz Records] sono i Brand New Heavies, i quali - anche per merito della bravissima cantante statunitense N'Dea Davenport - ottengono un discreto successo persino negli USA con l'album "Brother, Sister" (e lanciandosi anche in duetti con rappers americani come Guru, ad esempio nell'album Heavy rhyme). Alcune hit acid jazz sono venute dagli US3 come "Cantaloop" (una cover di Cantaloupe island di Herbie Hancock).
Interessante anche l'album "Antidote" di Ronny Jordan.
In Italia grande successo hanno riscosso le performance dell'ex tastierista dei Prisoners James Taylor con il suo James Taylor Quartet, di cui citiamo l'album "Wait a minute" (su Urban) con una notissima cover del tema della seconda stagione della serie televisiva di Starsky & Hutch ("Gotcha", brano di Tom Scott).
Sul versante più funky, grandi attenzioni sono state riversate sui Freakpower gruppo creato da Norman Cook (già negli Housemartins e noto successivamente come Fatboy Slim) ed il cantante trombonista Ashley Slater. Da ricordare il loro album "Drive-thru booty" (Island, 1994) con i brani "Turn on, tune in, cop out" e "Get in touch".
Altra etichetta di frontiera è stata la Mo-Wax: grande impatto ebbe la versione di "For what it's worth" (originale dei Buffalo Springfield) da parte dei Love T.K.O., gruppo più trip hop che acid jazz.

Alcuni dei maggiori artisti
http://it.wikipedia.org/wiki/Brand_New_Heavies
http://it.wikipedia.org/wiki/Galliano_(gruppo_musicale)
http://it.wikipedia.org/wiki/Incognito_(gruppo_musicale)
http://it.wikipedia.org/wiki/Jamiroquai
http://it.wikipedia.org/wiki/James_Taylor_Quartet
http://it.wikipedia.org/wiki/Jazztronik
http://it.wikipedia.org/wiki/Link_Quartet
http://it.wikipedia.org/wiki/Nicola_Conte_(musicista)
http://it.wikipedia.org/wiki/Ronny_Jordan
http://it.wikipedia.org/wiki/Swing_Out_Sister

L'ultima parte delle serate in cui sarà trattato l' Acid Jazz sarà interamente dedicato al acid jazz italiano

Nicola Conte noto per avere introdotto un innovativo stile di acid jazz incorporando elementi di bossanova

http://www.youtube.com/watch?v=nIzEk8wKIYs
http://www.youtube.com/watch?v=W_2zA1Be57M
http://www.youtube.com/watch?v=W_2zA1Be57M
http://www.youtube.com/watch?v=Q6JItj1oRis
http://www.youtube.com/watch?v=_NdIRja-Kzc
http://www.youtube.com/watch?v=z2fd36Yz_U4
http://www.youtube.com/watch?v=r2fXwjkxmRY
http://www.youtube.com/artist/Nicola_Conte?feature=watch_video_title

Link Quartet

http://www.youtube.com/watch?v=vG1dWnzRGPU
http://www.youtube.com/watch?v=NmDFGoYBb4c
http://www.youtube.com/watch?v=HBd0awPlhfA
http://www.youtube.com/watch?v=Ka7zNE5gW_g
http://www.youtube.com/watch?v=lWAvQWUe1W8
http://www.youtube.com/watch?v=cs1xXIg3h_0
dal vivo http://www.youtube.com/watch?v=p_2Vr5p7K0Y

Paolo Achenza Trio

http://www.youtube.com/watch?v=yB8CboecvkA
http://www.youtube.com/watch?v=1zCyz-rlBJ0
http://www.youtube.com/watch?v=nihT5351-EI
http://www.youtube.com/watch?v=ZEMcu32cHOQ

a Domani :-)

Latin jazz Merengue, Mambo Jazz Samba Bolero Cha cha cha

2011-05-05T07:33:00.001-07:00

Merengue

Merengue e il tasso nazionale della Repubblica Dominicana e rappresenta una sintesi dei 3 elementi che hanno formato la cultura del paese. Il gruppo musical di merengue "tipico" è formato da güira (contributo del nativo), tambora (Africa) e fisarrmónica (Europa).]

La parola merengue significa libero dell'uovo battuto con zucchero il quale si usa per preparare una sorta di dessert bianco. Non si conosce il vero motivo per cui questa parola sia stata associata a un genere musicale, si pensa però che sia a causa del ritmo esuberante, circolare e suevo del partner che ricorda il sapore di un dolce.

Il mambo è un genere musicale nato a Cuba

La storia del mambo comincia nel 1938, quando fu presentata una canzone ballabile intitolata Mambo scritta da Orestes e Cachao López. Nel corso degli anni alla musica fu associata una tipica danza, tuttora in voga soprattutto all' Havana, Città del Messico, New York city e nei corsi di ballo latino-americano, con alcune varianti rispetto all' originale.

Gli strumenti a percussione che lo caratterizzano sono le congas, i bonghi, le maracas, la clave e la cabasa.

Negli anni cinquanta e sessanta sono stati molti gli artisti e le orchestre ad essere protagonisti di questo genere musicale; in quel periodo la notorietà e il successo della maggior parte di loro sono però rimasti circoscritti ai paesi dell' America Latina, con l'eccezione di Perez Prado, e di Xavier Cugat e sua moglie, la cantante americana Abbe Lane.

Jazz samba

Con jazz samba (o jazz-samba) si intende un particolare stile musicale che fonde il jazz con i ritmi, gli strumenti, la melodia tipici della bossa nova brasiliana.

Il nome deriva dal titolo di quello che è comunemente ritenuto il primo disco del genere, Jazz Samba, appunto, di Stan Getz e Charlie Byrd, del 1962. La retrocopertina del disco recita opportunamente: "Two jazz solist play, fresh, contemporary sounds from modern brasilian folk music".

In precedenza, nell'ambito della musica leggera o cinematografico e in ambito jazz, si era utilizzato il termine samba per indicare brani, normalmente ballabili, suonati da grandi orchestre, sui ritmi tropicali tipici del carnevale e dello stereotipato "folklore" carioca così come veniva avvertito negli Stati Uniti. Analogamente per quanto avveniva con i ritmi caraibici, tanto di moda negli anni cinquanta, e cubani.

L'ingresso della musica brasiliana negli Stati Uniti risale agli anni venti, ma ha i suoi momenti di massima popolarità negli anni '30 e soprattutto negli anni quaranta.

Un primo esempio è il film musicale Flying Down to Rio del 1933 (Carioca) con Fred Astaire e Ginger Rogers.

È il grande successo della cantante, ballerina e attrice Carmen Miranda che, dai primi anni quaranta, impone in tutti gli Stati Uniti (e da qui nel resto del mondo) la musica ed il folklore brasiliano. Famosa per i suoi copricapo "tutti-frutti" (tipicamente un casco di banane che usava per rimediare alla sua piccola statura), diventa nel 1945 la più pagata artista hollywoodiana. Paradossalmente, Carmen Miranda era portoghese, ma diventa il simbolo della spensieratezza attribuita allo stile di vita di Rio de Janeiro, di Copacabana, delle spiagge, dei locali notturni e dei luoghi "alla moda" dell'assolato Brasile.

Siamo negli anni in cui, a causa della seconda guerra mondiale, i magnati di Hollywood e il governo di Washington spinsero al massimo la diffusione del prodotto hollywoodiano più frivolo importando qualsiasi cosa potesse compiacere il gusto del pubblico. Il Sud America fu uno dei luoghi da cui si importarono stili, cliché e tanta musica. È di quegli anni, il successo di Amado mio, Ultima vez, Brazil e Tico Tico e l'introduzione dei ritmi cubani e messicani, adattati al gusto nord-americano, che sono conosciuti come salsa, rumba, mambo, chachachá.

Altri esempi della penetrazione della musica brasiliana (e dell'America Latina in genere), rivista ed adattata dall'industria dello spettacolo statunitense, sono i film della Disney a cartoni animati, Saludos Amigos (del 1943) e The Three Caballeros (del 1945), che introducono alcune canzoni divenute "standard" e simboli musicali dello stereotipo del Brasile: Tico Tico, Brazil e Bahia.

Tico Tico, tipico esempio di choro per chitarra (Tico-Tico no Fubá), fu inciso anche da Charlie Parker nel 1951 nel suo disco "latino" prodotto da Norman Granz.

Il jazz inizia a contaminarsi con i ritmi sudamericani nella seconda metà degli anni '40. Tra i primi, Dizzy Gillespie che, nella sua grande orchestra, inizierà a a mescolare il suo be bop con il calypso caraibico (un po' per rendere più accessibile la sua musica al tempo suonata da una orchestra che difficilmente poteva definirsi "da ballo", un po' perché realmente appassionato del genere). Il grande trombettista rimarrà sempre legato ai ritmi cubani e caraibici per tutta la sua lunga carriera.

Un tentativo degno di nota, ma poco fortunato, fu quello dell'altosassofonista "cool" Bud Shank che, nel 1953, incise due album con Laurindo Almeida, chitarrista brasiliano scoperto a Rio de Janeiro da Stan Kanton e con la cui orchestra aveva suonato negli Stati Uniti. Il risultato, i due volumi Brazilliance, sono considerati un anticipo della bossa nova. Stan Kanton stesso, negli anni cinquanta non rimase indifferente ai ritmi del samba e Almeida continuò a suonare il suo jazz "brasiliano" approfittando anche dell'esplosione del genere nei primi anni sessanta.

Fu, infatti, solo nel 1962, e nei due anni successivi, che si ebbero i primi veri grandi esempi di "fusion" tra il jazz e i ritmi brasiliani, anche perché, nel frattempo, era nata la bossa nova per opera principalmente di Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, João Gilberto e i ragazzi che si riunivano a casa di Nara Leão a Rio de Janeiro. Tra i più importanti, oltre al citato Jazz Samba, sono i successivi dischi di Stan Getz con Luiz Bonfá e soprattutto con João Gilberto e Astrud Gilberto (con il successo di Garota de Ipanema) e l'album di Jobim con Frank Sinatra del 1967.

Dal successo di quei primi esempi di "fusion" tra due generi così diversi, ma che seppero così bene convivere, molti tra i principali jazzisti americani tentarono di ripercorrere la strada intrapresa da Getz e interpretarono a loro modo la musica brasiliana. Tra questi Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Cannonball Adderley e molti altri musicisti e cantanti americani per i quali era un "must" realizzare dischi in coppia con i brasiliani più in voga.

Il 1962 fu un anno estremante prolifico in tal senso. Pur senza incidere la celebre Desafinado, il primo disco americano con "bossa nova" nel titolo suonato da musicisti brasiliani fu probabilmente Cannonball's Bossa Nova di Cannonball Adderley che lo realizzò per la Riverside nel dicembre del 1962 con una straordinaria formazione che comprendeva alcuni reduci dal concerto alla Carnegie Hall come Sergio Mendes e i membri del suo gruppo, tra i quali il batterista Dom Um Romao. Persino Coleman Hawkins sarà, suo malgrado, coinvolto nella frenesia di cavalcare l'onda della musica brasiliana in un non riuscitissimo disco prodotto dalla Impulse! Records intitolato Desafinado: Coleman Hawkins plays Bossa Nova & Jazz Samba. Il grande tenor-sassofonista non poteva essere da meno di Stan Getz, quindi già nel settembre del 1962 "Hawk" fu mandato da Bob Thiele in sala d'incisione con un gruppo non del tutto all'altezza per registrare i nuovi classici di Jobim e soci. Miles Davis l'anno successivo non poté sottrarsi alla moda e nel disco realizzato con l'orchestra di Gil Evans, Quiet Nights registrò una bella versione di Corcovado.

Tra i più attivi nel diffondere il nuovo stile negli Stati Uniti, la casa discografica Verve Records e Creed Tylor che produssero i dischi di Astrud Gilberto, Stan Getz e Antonio Carlos Jobim, ma anche la Columbia Records che per prima pubblicò, senza successo, i famosi dischi brasiliani di João Gilberto.

In seguito divennero popolarissimo il brasiliano Sergio Mendes che, con le sue orchestre, mantenne elevata la popolarità della Musica Popolare Brasiliana (o MPB) negli Stati Uniti e la introdusse in Giappone portando all'estero anche molta musica brasiliana emersa dopo il boom della bossa nova.

Ancora, Chick Corea, maestro della fusion, utilizzò spesso, in modo innovativo, il ritmo brasiliano (proprio all'epoca in cui suonava con Getz).

Da ricordare, infine, Herbie Mann, flautista e grande "contaminatore", che già negli anni '50 aveva inserito delle congas nella sua formazione (influenzato dalla musica africana) e che contribuirà a sostenere il successo della bossa nova già nei primi anni '60 (con un disco di bossa nova registrato a Rio con Mendes), e che poi non disdegnerà di suonare reggae, funk e qualsiasi cosa gli capitasse all'orecchio.

Il nome di Stan Getz è rimasto sinonimo di jazz e bossa nova. Lo stile jazz samba (che però, come detto, è principalmente bossa nova) è diventato consuento e parte integrante del linguaggio jazzistico come nei decenni precedenti lo erano stati il blues, la musica di Tin Pan Alley e quella dei grandi compositori americani. Le grandi canzoni di Jobim, soprattutto, sono divenute degli "standard" del jazz e della musica d'intrattenimento al pari di quelle di Cole Porter e Irving Berlin.

Col tempo l'interesse per lo stile bossa nova è un po' declinato ed è spesso associato alla musica da "night-club" come forma di intrattenimento "d'atmosfera" per la rilassatezza delle sue linee melodiche suonate su una base ritmica "soft" che manca della forza della originale "batida" così come l'avevano intesa João Gilberto, Jobim e i loro seguaci.

Paradossalmente, l'incontro tra i due principali generi musicali del continente americano, non avvenne per opera di coloro che li avevano inventati e ne avevano fatto la storia e stabilito le caratteristiche.

Il jazz nordamericano è sostanzialmente dovuto all'influenza dei ritmi africani mescolati con la musica europea e folcloristica dei bianchi. Allo stesso modo, ma con modalità completamente diverse, la musica brasiliana, nasce dall'unione dei ritmi importati dagli schiavi con la musica portoghese e dai ritmi indigeni (la musica brasiliana, come il suo popolo, ha tre anime).

In entrambe le situazioni, tradizione musicale europea, tradizioni religiose (protestanti al nord, cattoliche al sud), si sono mescolate al temperamento dei neri che sono stati i maggiori interpreti, innovatori e animatori della musica dei due sub-continenti.

La vera "fusion" tra il jazz nordamericano ed il samba (musica) brasiliano (nella loro forma più moderna) avviene invece ad opera di musicisti bianchi. La bossa nova era una forma di samba totalmente reinventato da un gruppo eterogeneo come collocazione geografica, ma del tutto omogeneo come caratteristiche sociali: si trattava di bianchi della società borghese, modernista e ispirata dal nuovo vento di risveglio economico e nazionalistico, del Brasile di Juscelino Kubitschek. Il jazz con cui si fuse, ad opera dei suoi stessi inventori, negli Stati Uniti nei primi anni sessanta, era quello di un musicista di successo come Stan Getz, che molto doveva al vero jazz nero, ma che era uno dei maggiori esponenti della musica più cool, amata dal grande pubblico, bianco, quello che comperava i dischi e votava nei referendum delle testate specializzate.

In ogni caso, il jazz nero stava già cambiando in modo vorticoso negli stessi anni (ad esempio per opera di John Coltrane) e poco dopo anche la musica brasiliana sarebbe cambiata.

Il bolero

Il bolero è una danza di origine spagnola nata alla fine del XVIII secolo.

È caratterizzato da:

un tempo in 3/4

un ritmo netto (spesso scandito da tamburi).

Alcuni esempi celebri di bolero sono:

Bolero op.19 in La minore', opera del 1833 di Frédéric Chopin

Bolero, opera del 1928 di Maurice Ravel

Mercé, dilette amiche (bolero di Elena, da I Vespri Siciliani, opera di Giuseppe Verdi del 1855).

A Cuba il bolero ha avuto origine verso la metà del XIX secolo a Santiago, dove è stato completamente reinventato rispetto alla tradizione spagnola ed è diventato una danza caratterizzata da un tempo in 2/4. Da Santiago il Bolero si è poi diffuso in tutta l'isola, negli altri Paesi caraibici e nel resto del mondo.

Pepe Sanchez, (nato Jose Sanchez a Santiago de Cuba il 19 marzo 1856 e morto il 03 gennaio del 1918) è conosciuto come il creatore del bolero cubano. Tra i più importanti autori di Bolero si ritrovano poi Omara Portuondo, Ibrahim Ferrer, Beny Moré, il portoricano Rafael Hernández, i messicani Agustín Lara, Jose Feliciano e Luis Miguel, l'ecuadoriano Julio Jaramillo e il cileno Antonio Prieto.

Cha cha cha

Il Cha cha cha è una danza latino-americana.

Nato a Cuba nei primi anni del XX secolo, si chiamava in origine Cha Cha. In seguito fu contaminato da altre danze: Mambo, Rumba, Danzón e Son.

Esistono 4 differenti ipotesi sul significato letterale dell'espressione "Cha Cha Cha":

Attributo onomatopeico strettamente legato al ritmo della danza, scandito dal tempo delle percussioni.

Riproduzione del suono prodotto dalle scarpe durante la danza, in particolar modo nel triplo passo.

"Cha cha" è il nome di un sonaglio cubano, propriamente adoperato durante la danza.

Riproduzione del suono emesso dallo sbattere dei piedi sulla battigia.

Il "Cha Cha Cha" è una danza relativamente semplice da apprendere, ma i passi di base sono leggermente più complicati di quelli di altre danze. Il ritmo che viene contato durante l'esecuzione dei passi è: "due-tre-cha cha cha".

Passi base:

tempo 2: il ballerino con il suo piede sinistro trasferisce il peso del corpo in avanti, tenendo il piede destro fermo (la ballerina trasferisce il peso in dietro).

tempo 3: il ballerino trasferiasce il peso del corpo verso il dietro tenendo fermi entrambi i piedi (la ballerina trasferisce il peso in avanti).

tempo 4 e 1 (o cha cha cha) il ballerino esegue uno chassé verso la propria sinistra (la ballerina fa lo chassé verso la propria destra).

Si ricomincia invertendo il ruolo tra la ballerina e il ballerino.

Tra i cha cha cha più celebri possiamo ricordare Torero di Renato Carosone e Cha cha cha della segretaria di Michelino & il suo complesso.

Il soul jazz e il Groove

2011-05-05T07:27:00.001-07:00

Soul jazz

Il soul jazz è un genere musicale sviluppatosi dall'hard bop, cui aggiunse forti tinte blues, gospel e rhythm and blues.

A differenza dell'hard bop, il soul jazz enfatizzava una pulsazione ritmica più ripetitiva, con cadenze melodiche più stilizzate e assoli meno complessi rispetto a quelli praticati in altri stili. Nonostante la condivisione della parola "soul",

il "soul jazz" e la "soul music" sono generi abbastanza distanti: nella soul music, le influenze blues e gospel sono molto

più 'importanti.Il soul jazz si sviluppò negli anni cinquanta e raggiunse il picco della sua popolarità negli anni settanta, benché molti elementi dello stile, così come molti degli interpreti, siano rimasti popolari anche nei primi anni del XXI secolo. Formazione caratteristica di questo genere era il piccolo gruppo, spesso sotto forma di un trio d'organo, un trio cioè in cui la parte della tastiera era assegnata ad un organo Hammond, uno strumento che giocò un ruolo di particolare importanza per questo genere, cui diede molti protagonisti: Bill Doggett, Charles Earland, Richard "Groove" Holmes, Les McCann, Jack McDuff, Jimmy McGriff, Lonnie Smith, Don Patterson, Jimmy Smith e Johnny Hammond Smith. Il sax tenore mantenne nel soul jazz un ruolo da protagonista e fu suonato da musicisti quali Gene Ammons, Eddie "Lockjaw" Davis, Eddie Harris, Houston Person, Stanley Turrentine. Il sax contralto fu invece lo strumento peferito da Lou Donaldson e Hank Crawford. Una registrazione famosa di soul jazz è ad esempio "The In Crowd" di Ramsey Lewis (1965).

http://it.wikipedia.org/wiki/Soul_jazz

http://en.wikipedia.org/wiki/Soul_jazz

Groove

Una diramazione della Soul Jazz, Groove trae le sue tonalità dal blues e si concentra soprattutto sul ritmo. Talvolta indicata come "Funk" si concentra sul mantenimento del ritmo continuo "gancio 'complimentato con leggerezza da ornamenti strumentale e, a volte lirico. Groove è pieno di emozioni gioiose che invita gli ascoltatori a ballare. Assoli improvvisati sono tenuti subordinato al ritmo e il suono collettivo.

http://it.wikipedia.org/wiki/Funk

http://en.wikipedia.org/wiki/Rare_groove

http://en.wikipedia.org/wiki/Jazz-funk

http://en.wikipedia.org/wiki/Groove_(music)

Fusion

2011-05-05T07:25:00.000-07:00

Fusion (chiamato anche Jazz rock fusion o Jazz rock) è un genere musicale emerso alla fine degli anni sessanta e primi settanta che combina elementi di jazz, rock e funk.

Questo stile coniuga stilemi tipici del jazz ad una strumentazione tipicamente rock dove gli strumenti elettrici, le tastiere e la strumentazione elettronica in generale hanno un ruolo predominante nel determinare il suono. La contaminazione avviene anche a livello stilistico, sia nell'accompagnamento, dove linee tipicamente funk tendono a sostituirsi ai più tradizionali accompagnamenti jazz, sia, più in generale, nella struttura del pezzo.

Rispetto al jazz rock, suo antesignano, la fusion è quindi caratterizzata da sonorità più morbide e leggere, spesso considerate easy listening (facile ascolto), in quanto più vicine alla struttura armonica di un brano pop piuttosto che jazz.

Molti critici ritengono che le prime incisioni fusion siano Hot Rats di Frank Zappa (1969) e i due dischi In a Silent Way (1969) ed il doppio album Bitches Brew (1970) di Miles Davis. Tra i protagonisti che seguirono, uno dei gruppi più rappresentativi di questo genere sono i Weather Report di Wayne Shorter e del tasterista austriaco Joe Zawinul, band fondata in Australia nel 1969 anche se è ancora caratterizzata da un jazz-rock ibrido. Ma a definire nel modo migliore il termine "fusion" è il celebre Spectrum di Billy Cobham considerato pioniere poiché è il primo album fusion con un chitarrista rock, Tommy Bolin.

A metà degli anni settanta il genere, ancora in forma prevalente di jazz rock, raggiunge una maturità e diffusione ormai planetaria : accanto ai mostri sacri d'oltre oceano spiccano anche musicisti europei, eccellenti virtuosi, quali il violinista francese Jean Luc Ponty (in realtà di formazione Davisiana), il suo connazionale e batterista Pierre Moerlen (Pierre Moerlen's Gong), gli inglesi, ex Canterburiani, Soft Machine e i giapponesi Casiopea ; in questa fase di transito, iniziano a farsi strada artisti che, intuendo le potenzialità commerciali del genere, propongono composizioni via via più semplici o quanto meno più orecchiabili, in grado di arrivare anche ad un pubblico non necessariamente di estrazione jazz . Il chitarrista californiano Lee Ritenour, i raffinati The Crusaders (celebre la loro Street Life), il tastierista brasiliano Eumir Deodato, già attivo da diversi anni con un jazz (bossa) rock piuttosto accattivante ed immediato e, ancor di più, un suo collega di strumento, l’americano Jeff Lorber, influenzeranno ulteriormente lo scenario futuro. Addirittura, a quest’ultimo si deve, probabilmente, l’adozione ufficiale del termine fusion, inserendolo, nel 1977, nel nome della sua band, "The Jeff Lorber Fusion". Anche il cantante italo canadese Gino Vannelli e il celebre chitarrista Carlos Santana con alcuni suoi lavori, contribuiranno non poco alla diffusione della fusion tra il grande pubblico.

All'inizio degli anni ottanta nasce la GRP Records, casa discografica newyorkese che ben presto diventa la maggiore scuderia di musicisti fusion in circolazione, tutti artisti di grande talento che danno vita ad una produzione caratterizzata da lavori tecnicamente di grande pregio anche se spesso piegati ad un consenso commerciale che vuole essere il più vasto possibile.

Molte le formazioni che si sono cimentate con questo genere, sia capeggiate da nomi famosi come gli Headhunters di Herbie Hancock, i Tribal Tech di Scott Henderson e Gary Willis, Chick Corea (con i Return to Forever e la Elektric Band), John McLaughlin e la sua Mahavishnu Orchestra, sia completamente nuove, come gli Yellowjackets, Spyro Gyra, Uzeb, Steps Ahead, Chuck Mangione, e poi altri musicisti che tra collaborazioni e esperienze da leader hanno reso popolare una branca importante della musica jazz, tra i quali vanno senz'altro ricordati Pat Metheny, Mike Stern, John Scofield, Frank Gambale, Marcus Miller e Allan Holdsworth. A molti di questi musicisti si deve il merito di aver saputo ricondurre questa forma più moderna e commerciale del jazz allo spirito iniziale, salvandolo da una certa banalizzazione e riconferendogli una dignità strumentale e compositiva più autenticamente jazz. Tant'è vero che in taluni casi si parla più propriamente di jazz fusion.

I pionieri del jazz-rock italiano furono gli Area (1972), i Perigeo (1972), Arti & mestieri (1974) e i Napoli Centrale (1975). Lo stesso Pino Daniele ha "venato" di fusion (in molti momenti in modo estremamente personale), almeno la metà della sua discografia. Degni di nota artisti successivi che segnarono la "svolta" fusion in Italia, tra cui alcuni lavori di Roberto Gatto (1980), i Lingomania (1984), Gianluca Mosole (1985), Francesco Bruno (1987) e l'ottimo Nico Stufano. La Turin Jazz Rock School è una delle etichette italiane di artisti appartenenti al genere che ha avuto negli ultimi anni significativi riscontri a livello internazionale con artisti quali Arti & Mestieri, Esagono, Venegoni & co, Beppe Crovella, Furio Chirico, Paolo Ricca Group, Mass media, Combo Jazz, Freelance, Marco Gallesi, Ebano, Enrico Cresci.

Selezione di alcuni artisti e album rappresentativi

Billy Cobham & George Duke - Live on tour (1976)

Casiopea - Eyes Of The Mind (1981)

The Jeff Lorber Fusion - "Water Sign" (1979)

Stanley Clarke - Journey to Love (1975), School Days (1976)

Billy Cobham - Spectrum (1973), A funky thide of signs (1975), Life & Times (1976)

Larry Carlton - MR.335 Live In Japan (1977)

Chick Corea - Light as a Feather (1973), My Spanish Heart (1976), Chick Corea Elektric Band (1986), Light Years (1987), Eye of the Beholder (1988), Five Peace Band (2009)

Return to Forever - Return to Forever (1972), Light as a Feather (1973), Hymn of the Seventh Galaxy (1973), Where Have I Known You Before (1974), No Mystery (1975), Romantic Warrior (1976)

Larry Coryell - Spaces (1970), Barefoot Boy (1971), Introducing The Eleventh House (1974)

Miles Davis - Miles in the Sky (1968), Filles de Kilimanjaro (1969), In a Silent Way (1969), Bitches Brew (1970), A Tribute to Jack Johnson (1971), Live-Evil (1971), On the Corner (1972), Big Fun (1974), Get Up with It (1974), Water Babies (1976), Agharta (1975), Pangaea (1975), We Want Miles (1982), Star People (1983), Tutu (1986)

Al Di Meola - Land of the Midnight Sun (1976), Elegant Gypsy (1978), Splendido Hotel (1980)

Herbie Hancock - Fat Albert Rotunda (1969), Crossings (1972), Sextant (1973), Head Hunters (1973), Thrust (1974), Mr. Hands (1980)

John McLaughlin - My Goals Beyond (1971), Johnny McLaughlin - Electric Guitarist (1978)

Mahavishnu Orchestra - The Inner Mounting Flame (1971), Birds of Fire (1972), Between Nothingness & Eternity (live) (1973), The Lost Trident Sessions (1999)

Marcus Miller - The Sun don't Lie (1993), Silver Rain (2005)

Pat Metheny - Bright Size Life (1976), Pat Metheny Group (1978), American Garage (1979)

Jaco Pastorius - Jaco Pastorius (1976)

Shakti - Shakti (1976)

Jean-Luc Ponty - Upon The Wings Of Music (1975), Enigmatic Ocean (1977)

Weather Report - Weather Report (1971), I Sing the Body Electric (1972), Sweetnighter (1973), Mysterious Traveller (1974), Tale Spinnin' (1975), Black Market (1976), Heavy Weather (1978), 8:30 (1979)

Tony Williams Lifetime - Emergency! (1969), Turn It Over (1970)

Frank Zappa - Hot Rats (1969), Waka/Jawaka (1972), The Grand Wazoo (1973)

Joe Zawinul - Zawinul (1970), Dialects (1986)

Dave Weckl - Hard Wired(1994)

Dave Weckl - Masterplan (1990)

Area - Arbeit macht frei (1973)

Area - Caution radiation area (1974)

Area - Crac (1975)

Arti e Mestieri - Tilt (1974)

A History of Jazz-Rock Fusion

http://it.wikipedia.org/wiki/Fusion

http://en.wikipedia.org/wiki/Jazz_fusion

Questa sera, non riesco a crearvi la selezione dei brani perchè la linea è troppo lenta, il prossimo martedì lo farò

Vale la pena parlare brevemente anche dei vari stili di musica che si sono fusi con il jazz (ma il genere non si chiama fusion, perchè il termine fusion riguarda propriamente il jazz-rock ) come spiega wiki inglese Le origini stilistiche del jazz fusion sono:

il jazz post-bop, free jazz,psychedelic rock, funk, 20th century classical music, blues-rock, world music.

Molti artisti e musicisti jazz iniziano ad un certo punto una musica sperimentale che estende i suoi confini al di la del jazz

pur conservando molte caratteristiche, nasce così il genere jazz fusion ma anche altri tipi di fusioni tra jazz e altri generi musicali, come l'acid-jazz ad esempio.

Ci sentiamo la settiama prossima per la scelta dei brani vi lascio un altro post da leggere che parla del blues... ricordando che molti artisti jazz si sono esibiti anche nei generi blues e affini.Artisti come Nina Simone ed Ella Fitzgerald per esempio

Il jazz manouche (o gipsy jazz)

2011-05-05T07:22:00.000-07:00

Il jazz manouche (o gipsy jazz) è uno degli stili del jazz. Si definisce jazz manouche quello stile musicale melodico cadenzato in cui trovano la massima espressione gli strumenti a corda (chitarre, bassi, violini...), tipico delle band tzigane. Questo genere musicale trae la sua origine dall'irripetibile esperienza artistica del chitarrista Django Reinhardt, che ne è considerato l'ideatore e il suo massimo esponente: egli ha reso possibile l'unione tra l'antica tradizione musicale zingara del ceppo dei Manouches e il jazz americano.

Il frutto di questa unione è un genere che coniuga la sonorità e la creatività espressiva dello swing degli anni '30 con il filone musicale del valse musette francese ed il virtuosismo eclettico tzigano.

Il gipsy jazz ha continuato ad evolversi per tutto il corso del secolo scorso ed ancora oggi continua ad affascinare i tanti appassionati. Tra i contemporanei vi sono Bireli Lagrene, Romane, Angelo Debarre, Stochelo Rosenberg, Manomanouche ed altri.

Il gypsy sta tornando di moda, offre una visione dell'improvvisazione opposta a certo jazz (quello più classico), è musica estremamente popolare (zingara): si parla di improvvisare sugli accordi e non sulla tonalità, quindi si usano prevalentemente arpeggi e questo colora molto la musica, aggiungici che il tutto è sempre in levare swingato e che le strutture dei brani son molto semplici, pochi accordi in AABA, e capirai quanto questo genere sia il sogno di ogni chitarrista (sassofonista ecc) che ama l'improvvisazione libera.

Consigliatissime le canzoni di Django come “Minor Swing” (utilizzata anche come colonna sonora in una parte del film “Chocolat”), ”J'attendrai” e “Nuages”; ma anche canzoni folk come “Les Yeux Noirs”, “Latcho Drom” e “O Pati Naschella”.

l Gypsy Jazz ha avuto origine in Francia, nei primi anni '30, ed ha avuto come fondatore un certo Django Reinhardt, uno zingaro proveniente dal Belgio.

Dopo un lungo girovagare per l'Europa, il suo gruppo nomade si fermò alla periferia di Parigi, dove Django risiederà per quasi tutta la sua carriera. Quando era giovane, era successo un fatto che cambiò radicalmente la sua carriera: la roulotte della famiglia fu divorata da un incendio; Django riportò gravi ustioni, tanto da perdere l'uso della gamba destra e di parte della mano sinistra (l'anulare e il mignolo, distrutti dal fuoco, furono saldati insieme dalla cicatrizzazione).

Reinhardt dovette abbandonare quindi il banjo (strumento che fino a quel momento suonava) per dedicarsi alla chitarra, molto più facile e morbida da suonare. Forse anche la sua menomazione ha contribuito a far sì che il suono che esprimeva con ogni nota fosse unico ed inimitabile. Anni dopo anche Toni Iommi, grande chitarrista dei Black Sabbath, affrontando lo stesso problema di menomazione avrebbe preso spunto da lui per continuare a suonare.

Questo genere musicale in Francia è comunemente chiamato “Manouche”. Il nome deriva dal ceppo zingaro dei manouche, detti anche Sinti. In questi gruppi di nomadi lo stile musicale veniva tramandato oralmente di generazione in generazione, dal padre al figlio, proprio perché non era usuale scrivere spartiti o cose simili.

La strumentazione è prevalentemente acustica, e la line-up standard (quella ad esempio del “Quintette Du Hot Club”, gruppo dove Django ha suonato per alcuni anni) è composta da due chitarre ritmiche, un violino,un contrabbasso e una chitarra solista; questa struttura è poi soggetta a variazioni in base al numero di musicisti.

La tecnica è particolare e differisce da altri generi musicali, infatti non è presente la batteria, e il ritmo viene dato dalle chitarre ritmiche con una particolare tecnica chiamata “la pompe”.

È un genere molto complesso essendo un sottogenere del jazz, e ovviamente la parte di improvvisazione è fondamentale. Le due chitarre ritmiche danno un accento percussivo e ritmato, che fa da sottofondo alla parte melodica della chitarra solista, che propone il tema principale.

Il Gypsy è definito anche “jazz europeo”, perché è sì nato in Francia, ma, essendo stato sviluppato dagli zingari, che come sappiamo sono nomadi, ha acquisito le culture musicali dei posti più svariati. Si può insomma dire che questo genere sia un mix delle culture musicali di tutta Europa, e non solo.

Molti brani di questo genere sono pezzi appartenenti alla discografia di Django, ma anche pezzi folk di vari luoghi europei riarrangiati in chiave Gypsy, oppure “standard jazz” (brani pop degli anni '20 e '30) anch'essi rivisti e adattati a questo genere.

Da ascoltare poi stupendi standard come il motivetto “All of me”, la virtuosistica “After you've gone” e ”Caravan”.

Il Gipsy Jazz ha continuato ad evolversi per tutto il corso del secolo scorso ed ancora oggi continua ad affascinare tanti appassionati. È importante ricordare che è stato ed è ancora oggi molto influenzabile da altri stili musicali, quali il flamenco o lo swing.

E non è affatto un genere morto e sepolto... anzi! Artisti contemporanei come The Rosenberg Trio, Bireli Lagrene, Angelo Debarre, Tchavolo Schmitt, Romane, Fapy Lafertin e l'italiano Dario Pinelli stanno portando avanti la tradizione del genere in modo magistrale (ascoltare per credere!).

Questa musica trasmette emozioni diverse in ogni pezzo che si ascolta, ha il potere di accompagnarti in viaggi stupendi tra atmosfere romantiche e sognanti, rivelando ogni volta sfumature e sensazioni che l'ascolto precedente non era stato in grado di percepire.

Una calda giornata afosa di mezza estate o una tempesta appena placatasi, un fanciullo che gioca nel cortile di casa o il motivetto alla radio che accompagna una partita a carte in un bar semideserto: tutto questo è quello che il Gypsy trasmette, sensazioni, figure e paesaggi diversi che si incontrano con suoni e melodie inconfondibili.

E allora il mondo diventa quello della tranquillità e della spensieratezza, un mondo che oggi non esiste più, un mondo che questa musica riesce a ricreare alla perfezione, e anche se non lo si è vissuto, lo riesce a far divenire nostro... Almeno per il tempo di una canzone.

Django Reinhardt
Joseph Reinhardt
Bireli Lagrene
Angelo Debarre
Stochelo Rosenberg
Dario Pinelli
Joscho Stephan
Stéphane Grappelli
Caravan Palace

http://it.wikipedia.org/wiki/Jazz_manouche

http://en.wikipedia.org/wiki/Gypsy_jazz

http://www.djangoreinhardt.it/home.htm

Trovate la serata jazz qui

https://www.facebook.com/note.php?note_id=163653523695652

Speciale 8 marzo jazz donna

2011-03-31T18:28:00.001-07:00

Il free jazz

2011-03-31T18:27:00.001-07:00

Il free jazz è una forma di jazz nata tra New York e Chicago, nei primi anni sessanta, parallelamente al sorgere delle grandi battaglie razziali di Martin Luther King e, soprattutto, di Malcolm X: Black Power sarà sempre un marchio distintivo dei musicisti "Free". Ha rivestito e riveste, perciò, una grande valenza sociale.
Come indica il nome si tratta di un tipo di musica libera, completamente al di fuori degli schemi: uno dei limiti estremi raggiunti negli anni è stata la partitura per quintetto che prevedeva la libera improvvisazione contemporanea, di tutti gli strumenti secondo l'estro del momento. I caratteri di novità di questo stile rispetto ai precedenti consistono nella frammentazione e irregolarità del ritmo e della metrica, nella atonalità che può arrivare fino al rumorismo, nell'assorbimento di tradizioni musicali provenienti da ogni parte del mondo (tanto che può essere considerato un antenato della World Music) e soprattutto nella tensione, intesa come intensità e liricità, che talvolta assume caratteri orgiastici e liberatori.
Tra i brani che meglio rappresentano la nascita di questo stile ricordiamo: Free Jazz di Ornette Coleman (considerato il padre di questa musica sperimentale)

alcuni esponenti free jazz di rilievo

Art Ensemble of Chicago
Albert Ayler
Anthony Braxton
Archie Shepp
Bill Dixon
Cecil Taylor
Don Cherry
Eric Dolphy
Gato Barbieri
Giuseppi Logan
John Coltrane
John Tchicai
John Zorn
Leroy Jenkins
Lester Bowie
Masada
Muhal Richard Abrams
Ornette Coleman
Paul Bley
Peter Brotzman
Pharoah Sanders
Roscoe Mitchell
Sun Ra
http://en.wikipedia.org/wiki/Free_jazz
http://it.wikipedia.org/wiki/Free_jazz

http://en.wikipedia.org/wiki/Avant-garde_jazz
http://en.wikipedia.org/wiki/Free_improvisation

Note: è un genere di jazz non di facile ascolto che piacerà agli appasionati più a chi si avvicina al jazz
è molto simile al jazz d'avanguardia di cui tratteremo le prossime volte. che però è diverso in armonia e struttura
http://en.wikipedia.org/wiki/Avant-garde_jazz

Il jazz d'avanguardia o avant-garde jazz

2011-03-31T18:26:00.001-07:00

Il jazz d'avanguardia o avant-garde jazz , o anche avant-jazz è un evoluzione del free jazz L'avant-gard è anche un movimento stilistico che coivolgerà altri generi musicali, il passo successivo all'Avant-garde jazz sarà il Fusion dove il jazz inizierà a fondersi con altri generi musicali, anche se propriamente con fusion si intende la fusione tra jazz e rock, si usa anche come termine generalizzato per altri generi di fusioni tra jazz e ogni altro genere musicale dopo gli anni 60-70
dove il jazz si estende oltre ai confini più ristretti dei generi dagli anni 20 agli anni 50...

http://en.wikipedia.org/wiki/Avant-garde_jazz

I principali esponenti di questo genere musicale sono in parte musicisti del free jazz e in parte musicisti noti anche per il genere fusion

Tra quelli più noti per il jazz-d'avanguardia che non altri generi di jazz ci sono.
George Adams
The Bad Plus
Django Bates
Han Bennink
Ed Blackwell
Ernest Dawkins
Scott Fields
Mike Garson
Globe Unity Orchestra
Joe Harriott
Roy Haynes
Theo Jörgensmann
Jeanne Lee
Joe McPhee
Medeski, Martin, & Wood
Misha Mengelberg
Kenny Millions
Don Pullen
Sam Rivers
Arto Tunçboyacıyan
Alexander von Schlippenbach

Soul jazz

2011-03-31T18:25:00.001-07:00

Soul jazz
Il soul jazz è un genere musicale sviluppatosi dall'hard bop, cui aggiunse forti tinte blues, gospel e rhythm and blues.
A differenza dell'hard bop, il soul jazz enfatizzava una pulsazione ritmica più ripetitiva, con cadenze melodiche più stilizzate e assoli meno complessi rispetto a quelli praticati in altri stili. Nonostante la condivisione della parola "soul",
il "soul jazz" e la "soul music" sono generi abbastanza distanti: nella soul music, le influenze blues e gospel sono molto
più 'importanti.Il soul jazz si sviluppò negli anni cinquanta e raggiunse il picco della sua popolarità negli anni settanta, benché molti elementi dello stile, così come molti degli interpreti, siano rimasti popolari anche nei primi anni del XXI secolo. Formazione caratteristica di questo genere era il piccolo gruppo, spesso sotto forma di un trio d'organo, un trio cioè in cui la parte della tastiera era assegnata ad un organo Hammond, uno strumento che giocò un ruolo di particolare importanza per questo genere, cui diede molti protagonisti: Bill Doggett, Charles Earland, Richard "Groove" Holmes, Les McCann, Jack McDuff, Jimmy McGriff, Lonnie Smith, Don Patterson, Jimmy Smith e Johnny Hammond Smith. Il sax tenore mantenne nel soul jazz un ruolo da protagonista e fu suonato da musicisti quali Gene Ammons, Eddie "Lockjaw" Davis, Eddie Harris, Houston Person, Stanley Turrentine. Il sax contralto fu invece lo strumento peferito da Lou Donaldson e Hank Crawford. Una registrazione famosa di soul jazz è ad esempio "The In Crowd" di Ramsey Lewis (1965).
http://it.wikipedia.org/wiki/Soul_jazz
http://en.wikipedia.org/wiki/Soul_jazz

Groove
Una diramazione della Soul Jazz, Groove trae le sue tonalità dal blues e si concentra soprattutto sul ritmo. Talvolta indicata come "Funk" si concentra sul mantenimento del ritmo continuo "gancio 'complimentato con leggerezza da ornamenti strumentale e, a volte lirico. Groove è pieno di emozioni gioiose che invita gli ascoltatori a ballare. Assoli improvvisati sono tenuti subordinato al ritmo e il suono collettivo.
http://it.wikipedia.org/wiki/Funk
http://en.wikipedia.org/wiki/Rare_groove
http://en.wikipedia.org/wiki/Jazz-funk
http://en.wikipedia.org/wiki/Groove_(music)

Una pausa sul blues

2011-01-25T18:26:00.000-08:00

Una pausa sul blues

Il blues è una forma musicale vocale e strumentale la cui forma originale è caratterizzata da una struttura ripetitiva di dodici battute e dall'uso, nella melodia, delle cosiddette blue note.
Le radici del blues sono da ricercare tra i canti delle comunità di schiavi afroamericani nelle piantagioni degli stati meridionali degli USA (la cosiddetta Cotton Belt). La struttura antifonale (di chiamata e risposta) e l'uso delle blue note (un intervallo di quinta diminuita che l'armonia classica considera dissonante e che in Italia valse al blues il nomignolo di musica stonata) apparentano il blues alle forme musicali dell'Africa occidentale.
Molti degli stili della musica popolare moderna derivano o sono stati fortemente influenzati dal blues.
Sebbene ragtime e spiritual non abbiano la stessa origine del blues, questi tre stili musicali afroamericani si sono fortemente influenzati tra loro. Altri generi sono derivazioni o comunque sono stati fortemente influenzati da questi: jazz, bluegrass, rhythm and blues, talking blues, rock and roll, hard rock, hip-hop, musica pop in genere.
La ricerca musicale di molti artisti ha portato il blues, e soprattutto il jazz, a contatto con molteplici realtà musicali, creando stili sempre nuovi e differenti.

Il significato del nome

Blues deriva dall'espressione "to have the blue devils", (letteralmente: avere i diavoli blu) col significato di "essere triste" e per questo motivo, nella lingua inglese il colore blu viene comunemente associato alla sofferenza, alla tristezza e all'infelicità.

Storia e caratteristiche

Le origini
Come per molte forme di musica popolare, le origini del blues sono oggetto di molte discussioni.
In particolare, non c'è una precisa data di nascita per questo genere musicale: la traccia più antica di una forma musicale simile al blues è il racconto che, nel 1901, fece un archeologo del Mississippi, descrivendo il canto di lavoratori neri che sembra avere affinità melodiche e liriche con il blues. Non è, dunque, possibile stabilire con esattezza una data che segni l'origine del genere, tuttavia un anno fondamentale fu il 1865, anno dell'abolizione della schiavitù negli Stati Uniti d'America: ottenuta la libertà, numerosi ex schiavi-musicisti iniziarono a portare la loro musica fuori dalle piantagioni e, nel giro di qualche decennio, questo genere fu noto ai più fino a giungere alle prime attestazioni che ci sono pervenute.
Uno dei più importanti antenati del blues è senz'altro lo spiritual, una forma di canto devozionale nato dalle riunioni di devoti durante il Grande risveglio dei primi anni del XIX secolo. Di argomento malinconico e appassionato, rispetto al blues gli spiritual avevano accenti meno personali e rivolti alla persona del cantante, riferendosi spesso alla condizione dell'umanità in generale e al suo rapporto con Dio, e i testi erano corrispondentemente meno profani.
Altri antenati del blues vanno cercati fra le work song (canzone di lavoro) degli schiavi di colore (field hollers) e di altra provenienza (canti dei portuali o stevedore; canti dei manovali o roustabout), che risuonavano in America all'epoca della Guerra di secessione (e anche negli anni successivi, in cui la condizione di soggezione e povertà degli afroamericani persistette nonostante l'abolizione della schiavitù). Da questi il blues ereditò probabilmente la sua struttura di call and response ("chiamata e risposta"), di origine Africana, mutuando invece la sua struttura armonica e strumentale dalla tradizione europea.
Molte delle caratteristiche del blues, a cominciare dalla struttura antifonale e dall'uso delle blue notes, possono essere fatte risalire alla musica africana. Sylviane Diouf ha individuato molti tratti, tra cui l'uso di melismi e la pesante intonazione nasale, che fanno pensare a parentele con la musica dell'Africa centrale e occidentale.
L'etnomusicologo Gerhard Kubik è stato forse il primo ad attribuire certi elementi del blues alla musica islamica dell'Africa Centrale e Occidentale:
"Gli strumenti a corda (i preferiti dagli schiavi provenienti dalle regioni islamiche) erano generalmente tollerati dai padroni che li consideravano simili agli strumenti europei come il violino. Per questo motivo gli schiavi che riuscivano a procurarsi un banjo avevano più possibilità di suonare in pubblico. Questa musica solista degli schiavi avevano alcune caratteristiche dello stile di canzone Arabo-Islamica che era stata presente per secoli nell'Africa centro-occidentale" dice Gerhard Kubik, un professore di etnomusicologia dell'Università di Mainz, in Germania, e l'autore di uno dei più completi trattati sulle origini africane del blues (Africa and the Blues).

Kubik fa inoltre notare che la tecnica, tipica del Mississippi e ricordata dal bluesman W. C. Handy nella sua autobiografia, di suonare la chitarra usando la lama di un coltello, ha corrispettivi in Africa. Anche il diddley bow,uno strumento casalingo fatto da una singola corda tesa su un asse di legno, che viene pizzicata modulando il suono tramite uno slide fatto di vetro, che si incontrava spesso nell'America meridionale agli inizi del 1900, era di derivazione africana.
Nel corso della sua evoluzione, il blues acquisì alcune delle sue caratteristiche dalle "Arie etiopi", gli spettacoli minstrel e dal ragtime. In questo periodo il blues, come testimoniato ad esempio dalle registrazioni di Leadbelly e di Henry Thomas, ha molte forme diverse, le più frequenti essendo le forme in dodici, otto o sedici battute basate sul giro tonica - sottodominante - dominante descritto nel seguito. La forma del blues standard in dodici battute fa la sua apparizione documentata nelle comunità afroamericane del tratto meridionale del Mississippi, sulla Beale Street di Memphis, e nelle orchestre bianche di New Orleans.
Struttura musicale e testi

Per approfondire, vedi la voce Blues in 12 misure.

Il blues ha una struttura relativamente semplice sia per la parte musicale che per quella del testo. Lo schema musicale fa uso prevalentemente della scala pentatonica minore (in Do: Do,Mib,Fa,Sol,Sib,Do) e della scala blues (in Do: Do,Mib,Fa,Fa#, Sol,Sib,Do) e si snoda lungo tre frasi da quattro battute ognuna, basate su tre accordi fondamentali.
La sua struttura metrica è generalmente di 12 misure (o battute), ma esistono anche blues di 16 o 24 misure, generalmente grazie all'introduzione di segmenti addizionali di 4 misure con varie funzioni e strutture tematiche. Armonicamente presenta la progressione tipica tonica-sottodominante-dominante, distribuita sulle dodici misure. La melodia o il canto hanno un impianto antifonale di domanda-risposta, solitamente divisa in tre parti: domanda nelle prime 4 misure, risposta nelle successive 4 e conclusione nelle ultime. Il blues produce un senso di indefinitezza tonale, dato dall'uso di scale pentatoniche e del loro adattamento alle varie scale europee. Il terzo grado e il settimo della scala diatonica vengono abbassati. Si noti che questo comporta una dissonanza caratteristica tra l'armonizzazione (che nel blues maggiore, usa terze maggiori) e la melodia (le cui scale tipiche usano terze minori): questo modo di cantare in minore su maggiore rappresenta una delle ambiguità tipiche del blues.
Nel caso del blues in 12 misure, il testo si articola in versi di tre strofe in cui le prime due si ripetono e, generalmente, è molto esplicito, con frequenti riferimenti al sesso.
Quantunque il blues abbia struttura, schemi musicali e sonorità affini al gospel si oppone a quest'ultimo proprio per la caratteristica di empietà dissacratoria che, spesso, lo accompagna che mal si adatta ai temi sacri trattati dai gospel cantati dai predicatori nelle comunità cristiane. Raramente in brani blues è possibile cogliere virtuosismi strumentali o tecniche raffinate poiché si tratta di un genere "povero" basato sulle emozioni, sull'anima dell'esecutore ma anche dell'ascoltatore. La semplicità stessa dei temi e della struttura permette a questo genere di essere eseguito con strumentazioni al limite dell'essenziale.

Strumenti

La tradizione musicale africana si basa su intervalli musicali differenti da quelli presenti nel sistema occidentale (temperamento equabile) e gli strumenti melodici sono intonati in maniera differente. Questo favorì l'utilizzo di voce, chitarra e armonica a bocca, tutti strumenti in grado di riprodurre le "stonature" (per mezzo della tecnica del bending) controllate di cui avevano bisogno i musicisti per avvicinare la loro musica a quella dei loro avi. Va però rilevato che anche il pianoforte ha avuto notevole importanza nel blues (esiste infatto un sotto-genere chiamato appunto piano blues).
Scale e accordi

Per approfondire, vedi la voce Blue note.

Queste "stonature", o meglio deviazioni dalla scala diatonica occidentale, ancora oggi sono il marchio indelebile del suono blues, e si possono classificare in diversi tipi a seconda dell'intervallo alle quali sono applicate. Di seguito verranno analizzate alcune di queste particolarità, per comprendere le quali sarà utile avere presente alcune nozioni di armonia di base.
III grado (intervallo di terza)
Nel sistema tonale occidentale questo grado di una scala serve come discriminatore per stabilirne il carattere:
se è maggiore (detto anche terza maggiore comprendente 4 semitoni), il pezzo in genere suona più allegro e spensierato;
se è minore, contribuisce ad un'atmosfera struggente.
Nel blues invece la terza non è così ben definita:
a livello "fisico" la frequenza in Hertz della nota non corrisponde quasi mai né ad una terza maggiore né ad una terza minore;
a livello "musicale" viene utilizzata per enfatizzare i passaggi importanti di un brano, facendola avvicinare alternativamente ad una terza maggiore o minore a seconda del risultato che si vuole ottenere.
L'indeterminatezza del terzo grado (maggiore-minore) può essere vista in modo diverso: la terza minore, ad esempio, può essere interpretata come una nona aumentata. È invece sottolineata la settima minore, tipica e caratteristica del Blues.
V grado (intervallo di quinta)
Questo grado è presente nella quasi totalità delle culture musicali per la sua particolarità: corrisponde a 1/3 della frequenza presa come tonica. I due sistemi (tonale e... resto del mondo) si assomigliano molto su questo intervallo, che viene sfruttato come "forza trainante" per tornare alla tonica, pur se con scopi e modalità leggermente diversi:
nella musica classica il passaggio V-I viene utilizzato come sigillo conclusivo di un passaggio musicale anche molto complicato: il cosiddetto finale;
nel blues tradizionale è raro avere un vero e proprio finale, costruzione musicale introdotta infatti dai bluesman bianchi e dai musicisti di città in genere per rendere più commerciale la loro musica. Il V grado viene utilizzato per lanciare un altro giro della canzone e ricominciare tutto da capo (turnaround).
Il blues è composto da diversi movimenti circolari presenti a tutte le scale di grandezza:
a livello ritmico si presenta come una figura chiamata shuffle, movimento sincopato a metà strada tra le terzine e i sedicesimi, che produce una continua tensione verso il beat successivo;
a livello di struttura si ha una ripetizione ossessiva della stessa serie di accordi e frasi musicali, con variazioni più o meno significative e/o regolari;
alla fine di ogni strofa si assiste al cosiddetto turnaround, tradotto spesso in italiano come giro di boa, concluso quasi sempre con il V grado.
Di importanza particolare è poi il V grado diminuito (detto tritono, 6 semitoni), utilizzato come nota di passaggio e capace da solo di portare una scala verso sonorità decisamente bluesy.
Tipi di Blues

Il blues ha prodotto una gran varietà di sottogeneri, ognuno con le sue caratteristiche peculiari. Alcuni tra i più noti sono il Rock & Roll, il Boogie Woogie e il Rhythm and Blues.
Bluesmen e Blues Women famosi

Per approfondire, vedi la voce Categoria:Musicisti blues.
Blues in Italia

La diffusione del blues in Italia inizia nella seconda metà del 1900, assieme a quella delle principali forme musicali derivate (rock e jazz), tutte colpite dall'embargo culturale imposto negli anni del fascismo.
Negli anni settanta, alcuni musicisti blues americani e inglesi, come Andy J. Forrest, Cooper Terry e Dave Baker, si trasferiscono in Italia, contribuendo alla diffusione del genere. Celebri artisti che hanno dato un grande contributo alla diffusione del blues negli ultimi anni sono l'armonicista Fabio Treves con la sua Treves Blues Band, Guido Toffoletti, Tolo Marton, Giancarlo Crea & Model T Boogie, Vince Vallicelli, Pino Liberti, Rudy Rotta, Pippo Guarnera, Nick Becattini, Max Lazzarin, Oracle King e soprattutto il grande Angelo "Leadbelly" Rossi. Qualche aiuto alla diffusione del genere è stato dato da Alex Britti, da Roberto Ciotti, da Pino Daniele, da Zucchero, da Eugenio Finardi e da Paolo Belli. Una nuova generazione di musicisti si sta in questi anni affermando anche all'attenzione del pubblico europeo ed americano. Parliamo di musicisti come Joe Caruso, Enrico Crivellaro, Alberto Colombo, Marco Pandolfi & Jacknives (in cui milita il bravo Marco Gisfredi), Umberto Porcaro, Maurizio Pugno, Luca Giordano, Stephanie Ghizzoni e molti altri. Altrettanto importante è stato il contributo di festival quali il Pistoia Blues, il Delta Blues, il Rocce Rosse Blues, il Trasimeno Blues, l'Etna Blues e il Molinara Crossroads, Blue stuff di Mario Insenga ed il Summertime Blues Festival di Alcamo (TP). Negli ultimi anni si è imposto all'attenzione degli appasssionati il Rootsway Festival di Parma.

Sottogeneri

Acid Blues
Blues Drama
Blues rock
Blues shouter
Classic female blues
Country blues
Early American Blues
Electric blues
Folk blues
Gospel blues
Harmonica Blues
Jazz blues
Jump blues
Piano blues
Soul blues
Slide Guitar Blues
Swamp blues
Talking blues
Boogie-woogie
Blues Revival

Generi derivati

Jazz
R&B
Soul
Funk
Rock and Roll
Rock
Blues Rock
Hard rock
Heavy metal
Blues metal
Punk blues

Scene regionali

African blues
British blues
Canadian blues
Chicago blues
Delta blues
Detroit blues
Kansas City blues
Louisiana blues
Memphis blues
New Orleans Blues
North Mississippi blues
St. Louis blues
Texas blues
Piedmont blues

Categorie correlate
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Album blues
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Video e DVD blues

Il Boogie Woogie

Il boogie-woogie è uno stile musicale blues per pianoforte, diventato molto popolare a partire dagli anni trenta e anni 40. All’inizio del 1900 i pianisti neri nel Texas hanno cominciato a sviluppare una forma più veloce e ritmata del blues. Lo scopo era d’intrattenere la gente nei juke joints dei bar dove, alla sera, ci si divertiva e si ballava. Questi locali si trovavano negli accampamenti dei lavoratori ad esempio nei pressi dei cantieri delle linee ferroviarie. Spesso persino sui treni c’era un pianista. Un brano caratteristico è Honky Tonk Train Blues (1927). Il compositore Meade Lux Lewis imita con le sonorità un treno a vapore. A quei tempi questo nuovo tipo di musica fu designata con svariati nomi: fast blues, rolling blues, the dozen, shuffle ecc. fino alla famosa registrazione “Pinetop’s Boogie Woogie”. In questa composizione, che risale al 1928, Clarence Smith spiegava come ballare il boogie woogie.
La parola indicava dunque un modo di ballare, e grazie a Smith (che non saprà mai niente, perché morì poco dopo, 25enne, colpito da una proiettile vagante in una sparatoria) questo genere musicale prese il nome di Boogie Woogie. Nel 1938 Albert Ammons, Pete Johnson e Meade Lux Lewis, tre pianisti neri, vennero scoperti da un bianco: John Hammond. Per la prima volta nella storia della musica, questo stile è presentato ad un pubblico bianco nella famosa Carnegie Hall di New York e da quel giorno è iniziato un vero e proprio boom. Boom che ha inserito questo nuovo stile musicale ai primi posti di tutte le vendite discografiche. Il genere boogie-woogie ha finito così per essere suonato e ballato in tutti gli USA.
È caratterizzato da un accompagnamento di basso eseguito con la mano sinistra, il cosiddetto basso ostinato, e da trilli ed abbellimenti eseguiti con la destra. Qualche volta è denominato eight to the bar (eight sta per la suddivisione della battuta in otto note del basso). Le due forme di basso più suonate con la mano sinistra sono il rolling bass e il walking bass.

Origini del termine boogie-woogie

Per i più le origini di questo termine sono misteriose. L'Oxford English Dictionary afferma invece che consiste nella ripetizione di Boogie, termine usato a partire dal 1913 per indicare i rent party, feste di intrattenimento non ufficiali, in occasione delle quali veniva ingaggiato un pianista. Si può scrivere con lo spazio o con la lineetta. L'origine del boogie-woogie per pianoforte è incerta; sicuramente fu influenzata dal genere Honky tonk, diffusosi nel sud degli Stati Uniti. I musicisti W.C. Handy e Jelly Roll Morton riferirono di aver sentito pianisti interpretare brani con questo stile ancora prima del 1910. Secondo Clarence Williams, questo stile fu inventato dal pianista texano George W. Thomas. Il Boogie Woogie è un genere di andamento rapido e con un accompagnamento ostinato del basso.

Le ultime due tele dell'artista Piet Mondrian sono "Broadway Boogie-woogie" e "Victory Boogie-woogie".

Artisti Boogie Woogie

Albert Ammons
Pete Johnson
Meade "Lux" Lewis
Pinetop Perkins
Pinetop Smith
James Booker
Dorothy Donegan
Big Joe Duskin
Little Willie Littlefield
Sammy Price
Joe Turner
Tuts Washington
Willie Egan
Jools Holland
Lafayette Leake
Mr. B.
Walter Roland
Mitch Woods
Jimmy Yancey
Axel Zwingenberger
Scott Joplin
Silvan Zingg
Tommy Johnson
John Rey Cash

http://en.wikipedia.org/wiki/Boogie-woogie

http://it.wikipedia.org/wiki/Boogie-woogie

Il latin jazz

2011-01-25T17:43:00.000-08:00

Il latin jazz

Latin jazz (jazz latino-americano) è il termine dato generalmente a quella musica che unisce i ritmi dell'America Latina (di provenienza africana), con le melodie jazz del Sud America, dei Caraibi, degli USA e dell'Europa. Il latin jazz si divide in due categorie principali: il brasiliano e l'afro-cubano.
latin jazz brasiliano: comprende la bossa nova, il samba e la sua evoluzione jazz samba.
latin jazz afro cubano: comprende la salsa, il merengue, il mambo, il bolero, il cha-cha-cha, ed altri.

Il latin jazz è il contributo dei musicisti latino-americani alla musica jazz. Divenne popolare nel 1940, quando Dizzy Gillespie e Stan Kenton iniziarono a suonare brani di musica afro-cubana con strumenti jazz, assemblando la parte melodica, suonata come gli standard, con la parte ritmica, suonata al modo latino-americano, enfatizzando poi il ritmo negli assolo. Stan Kenton realizzò un arrangiamento del btrano afro-cubano The Peanut Vendor, che viene considerato come il primo brano di latin jazz registrato negli USA.
Nel 1947 Dizzy Gillespie, con Machito e Chano Pozo, compose l'Afro-cuban Drums Suite, rappresentata poi al Carnegie Hall di New York. Tale concerto divulgò il latin jazz fra il grande pubblico. Altro brano famoso di Dizzy di questo periodo è Cubano be Cubano bop.
Il samba nasce nel XIX secolo come espressione della musica Afro-brasiliana. La bossa nova è un tempo musicale ibrido, derivato dal ritmo del samba; nasce negli anni 1960, grazie al contributo dei brasiliani Antonio Carlos Jobim e Joao Gilberto, insieme all'americano Stan Getz. Il brano più famoso è Garota de Ipanema, composto da Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes e resa celebre da Joao Gilberto e da sua moglie Astrud.
Il latin jazz, così come gli altri stili di jazz, può essere suonato sia da piccoli complessi che da grandi orchestre, che di solito lasciano l'improvvisazione degli assolo alla sezione ritmica.

La bossa nova
Una miscela di jazz tipo West Coast Cool, armonie classiche europee e seducenti ritmi di samba brasiliana, bossa nova o più correttamente "jazz brasiliano", ha raggiunto le circa degli Stati Uniti 1962.
Il sottile ma ipnotico di chitarra acustica ritmi accento semplici melodie cantate in uno (o entrambi), portoghese o inglese. Lanciato da Joao brasiliani 'Gilberto e Antonio Carlos Jobim, questa alternativa ai 60's Hard Bop e agli stili di Free Jazz, diventa popolare nel West Coast attraverso il chitarrista Charlie Byrd e il sassofonista Stan Getz.

Bossa nova (in portoghese "nuova onda") è un genere musicale, nato in Brasile alla fine degli anni '50, che trae origine dal samba, in particolare nella forma detta samba canção e, in genere, dalla tradizione musicale brasiliana. È ispirato culturalmente dalla "rive gauche" francese, dalle atmosfere minimaliste di certa musica europea e statunitense dell'epoca, ma soprattutto, dalla atmosfera di rinascita economica e nazionalista del Brasile di Juscelino Kubitschek.

I padri e co-inventori della bossa nova sono comunemente considerati il compositore emusicista Antonio Carlos Jobim, il poeta Vinicius de Moraes e il cantante e chitarrista João Gilberto. I precedenti però si trovano in Dorival Caymmi e nel tipo di samba-cançao da lui elaborato e, più indietro ancora nel tempo, in alcune composizioni originali di Ernesto Nazareth. Labossa nova è un samba suonato in modo generalmente minimalista, spesso soffuso, senza particolare enfasi vocale e senza vibrato, su ritmo lento, se non lentissimo (difficilmente supera gli 80 battiti per minuto), ma con un incedere incalzante dovuto, normalmente, al caratteristico stile chitarristico attribuito, principalmente, a João Gilberto.

La "batida", così fu soprannominato lo stile tipico di Gilberto e dei suoi seguaci, è un modo particolare di usare la mano destra sulle corde della chitarra: senza arpeggio, ma alternando il pollice sui bassi al contemporaneo pizzicare le corde delle altre dita (al modo già usato dai brasiliani), spesso con il tapping della mano sinistra. La particolarità è però di natura soprattutto ritmico-armonica. Infatti l'accompagnamento è costruito a partire da una linea continua semitonale di bassi discendenti, e ciò dà la sensazione che il ritmo della chitarra sembra essere sempre in "recupero" sul tempo.

La data ufficiale di nascita della bossa nova è generalmente fatta coincidere con l'uscita, nel 1958, del disco Canção do amor demais dellacantante Elizete Cardoso, su musiche di Antonio Carlos Jobim e testi di Vinicius de Moraes, che conteneva la canzone Chega de saudadenella quale suonava proprio João Gilberto.

Il successo di Chega de saudade, prima nell'interpretazione di Elizete Cardoso, ma soprattutto nella successiva versione dello stessoGilberto, fu clamoroso. La canzone è considerata all'unanimità il primo esempio completo di stile bossa nova, soprattutto per la presenza della caratteristica "batida" che tutti in Brasile cercheranno di imitare.

La fama internazionale per la bossa nova arriva nei primi anni '60 ad opera di João Gilberto. In seguito il sassofonista jazz Stan Getz importa i ritmi brasiliani nel suo disco del 1962 Jazz Samba (con il chitarrista Charlie Byrd), poi realizza un album (Getz/Gilberto) con i protagonisti del nuovo genere, Antonio Carlos Jobim e João Gilberto, ottenendo in entrambi i casi un clamoroso successo commerciale.

Le canzoni lanciate da João Gilberto Desafinado, Garota de Ipanema, Saudade da Bahja, Rosa Morena, (le ultime due prese dal repertorio di Caymmi), È luxo sò (di Ary Barroso), Maria Ninguém (di Carlos Lyra) diventarono veri standard e resero la bossa nova uno dei generi più in voga negli anni sessanta influenzando tutta la musica mondiale.

Protagonisti ed interpreti

Luiz Bonfá
Ronaldo Bôscoli
Chico Buarque
Antonio Carlos Jobim
Vinicius de Moraes
Stan Getz
Astrud Gilberto
João Gilberto
Nara Leão
Edu Lobo
Carlos Lyra
Sergio Mendes
Roberto Menescal
Newton Mendonça
Baden Powell
Elis Regina
Sylvinha Telles
Toquinho

Il samba baiano

Il samba baiano ha trovato i suoi massimi interpreti in Dorival Caimmy, Wilson Simonal e Jorge Ben Jor, e poi in Joao Gilberto, che dal samba si spinge, insieme a Jobim, fino alla bossa nova, una forma di samba molto raffinata che, grazie a Jobim, utilizza armonizzazioni molto complesse ricavate dalle tecniche semitonali del jazz. Fu esportato con successo in Europa da Tati Casoni.

Il jazz samba
Con jazz samba (o jazz-samba) si intende un particolare stile musicale che fonde il jazz con i ritmi, gli strumenti, la melodia tipici della bossa nova brasiliana.

Il nome deriva dal titolo di quello che è comunemente ritenuto il primo disco del genere, Jazz Samba, appunto, di Stan Getz e Charlie Byrd, del 1962. La retrocopertina del disco recita opportunamente: "Two jazz solist play, fresh, contemporary sounds from modern brasilian folk music".
In precedenza, nell'ambito della musica leggera o cinematografico e in ambito jazz, si era utilizzato il termine samba per indicare brani, normalmente ballabili, suonati da grandi orchestre, sui ritmi tropicali tipici del carnevale e dello stereotipato "folklore" carioca così come veniva avvertito negli Stati Uniti. Analogamente per quanto avveniva con i ritmi caraibici, tanto di moda negli anni cinquanta, e cubani.
L'ingresso della musica brasiliana negli Stati Uniti risale agli anni venti, ma ha i suoi momenti di massima popolarità negli anni '30 e soprattutto negli anni quaranta.
Un primo esempio è il film musicale Flying Down to Rio del 1933 (Carioca) con Fred Astaire e Ginger Rogers.

È il grande successo della cantante, ballerina e attrice Carmen Miranda che, dai primi anni quaranta, impone in tutti gli Stati Uniti (e da qui nel resto del mondo) la musica ed il folklore brasiliano. Famosa per i suoi copricapo "tutti-frutti" (tipicamente un casco di banane che usava per rimediare alla sua piccola statura), diventa nel 1945 la più pagata artista hollywoodiana. Paradossalmente, Carmen Miranda era portoghese, ma diventa il simbolo della spensieratezza attribuita allo stile di vita di Rio de Janeiro, di Copacabana, delle spiagge, dei locali notturni e dei luoghi "alla moda" dell'assolato Brasile.
Siamo negli anni in cui, a causa della seconda guerra mondiale, i magnati di Hollywood e il governo di Washington spinsero al massimo la diffusione del prodotto hollywoodiano più frivolo importando qualsiasi cosa potesse compiacere il gusto del pubblico. Il Sud America fu uno dei luoghi da cui si importarono stili, cliché e tanta musica. È di quegli anni, il successo di Amado mio, Ultima vez, Brazil e Tico Tico e l'introduzione dei ritmi cubani e messicani, adattati al gusto nord-americano, che sono conosciuti come salsa, rumba, mambo, chachachá.
Altri esempi della penetrazione della musica brasiliana (e dell'America Latina in genere), rivista ed adattata dall'industria dello spettacolo statunitense, sono i film della Disney a cartoni animati, Saludos Amigos (del 1943) e The Three Caballeros (del 1945), che introducono alcune canzoni divenute "standard" e simboli musicali dello stereotipo del Brasile: Tico Tico, Brazil e Bahia.
Tico Tico, tipico esempio di choro per chitarra (Tico-Tico no Fubá), fu inciso anche da Charlie Parker nel 1951 nel suo disco "latino" prodotto da Norman Granz.
Il jazz inizia a contaminarsi con i ritmi sudamericani nella seconda metà degli anni '40. Tra i primi, Dizzy Gillespie che, nella sua grande orchestra, inizierà a a mescolare il suo be bop con il calypso caraibico (un po' per rendere più accessibile la sua musica al tempo suonata da una orchestra che difficilmente poteva definirsi "da ballo", un po' perché realmente appassionato del genere). Il grande trombettista rimarrà sempre legato ai ritmi cubani e caraibici per tutta la sua lunga carriera.
Un tentativo degno di nota, ma poco fortunato, fu quello dell'altosassofonista "cool" Bud Shank che, nel 1953, incise due album con Laurindo Almeida, chitarrista brasiliano scoperto a Rio de Janeiro da Stan Kanton e con la cui orchestra aveva suonato negli Stati Uniti. Il risultato, i due volumi Brazilliance, sono considerati un anticipo della bossa nova. Stan Kanton stesso, negli anni cinquanta non rimase indifferente ai ritmi del samba e Almeida continuò a suonare il suo jazz "brasiliano" approfittando anche dell'esplosione del genere nei primi anni sessanta.
Fu, infatti, solo nel 1962, e nei due anni successivi, che si ebbero i primi veri grandi esempi di "fusion" tra il jazz e i ritmi brasiliani, anche perché, nel frattempo, era nata la bossa nova per opera principalmente di Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, João Gilberto e i ragazzi che si riunivano a casa di Nara Leão a Rio de Janeiro. Tra i più importanti, oltre al citato Jazz Samba, sono i successivi dischi di Stan Getz con Luiz Bonfá e soprattutto con João Gilberto e Astrud Gilberto (con il successo di Garota de Ipanema) e l'album di Jobim con Frank Sinatra del 1967.
Dal successo di quei primi esempi di "fusion" tra due generi così diversi, ma che seppero così bene convivere, molti tra i principali jazzisti americani tentarono di ripercorrere la strada intrapresa da Getz e interpretarono a loro modo la musica brasiliana. Tra questi Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Cannonball Adderley e molti altri musicisti e cantanti americani per i quali era un "must" realizzare dischi in coppia con i brasiliani più in voga.

Il 1962 fu un anno estremante prolifico in tal senso. Pur senza incidere la celebre Desafinado, il primo disco americano con "bossa nova" nel titolo suonato da musicisti brasiliani fu probabilmente Cannonball's Bossa Nova di Cannonball Adderley che lo realizzò per la Riverside nel dicembre del 1962 con una straordinaria formazione che comprendeva alcuni reduci dal concerto alla Carnegie Hall come Sergio Mendes e i membri del suo gruppo, tra i quali il batterista Dom Um Romao. Persino Coleman Hawkins sarà, suo malgrado, coinvolto nella frenesia di cavalcare l'onda della musica brasiliana in un non riuscitissimo disco prodotto dalla Impulse! Records intitolato Desafinado: Coleman Hawkins plays Bossa Nova & Jazz Samba. Il grande tenor-sassofonista non poteva essere da meno di Stan Getz, quindi già nel settembre del 1962 "Hawk" fu mandato da Bob Thiele in sala d'incisione con un gruppo non del tutto all'altezza per registrare i nuovi classici di Jobim e soci. Miles Davis l'anno successivo non poté sottrarsi alla moda e nel disco realizzato con l'orchestra di Gil Evans, Quiet Nights registrò una bella versione di Corcovado.
Tra i più attivi nel diffondere il nuovo stile negli Stati Uniti, la casa discografica Verve Records e Creed Tylor che produssero i dischi di Astrud Gilberto, Stan Getz e Antonio Carlos Jobim, ma anche la Columbia Records che per prima pubblicò, senza successo, i famosi dischi brasiliani di João Gilberto.
In seguito divennero popolarissimo il brasiliano Sergio Mendes che, con le sue orchestre, mantenne elevata la popolarità della Musica Popolare Brasiliana (o MPB) negli Stati Uniti e la introdusse in Giappone portando all'estero anche molta musica brasiliana emersa dopo il boom della bossa nova.
Ancora, Chick Corea, maestro della fusion, utilizzò spesso, in modo innovativo, il ritmo brasiliano (proprio all'epoca in cui suonava con Getz).
Da ricordare, infine, Herbie Mann, flautista e grande "contaminatore", che già negli anni '50 aveva inserito delle congas nella sua formazione (influenzato dalla musica africana) e che contribuirà a sostenere il successo della bossa nova già nei primi anni '60 (con un disco di bossa nova registrato a Rio con Mendes), e che poi non disdegnerà di suonare reggae, funk e qualsiasi cosa gli capitasse all'orecchio.
Il nome di Stan Getz è rimasto sinonimo di jazz e bossa nova. Lo stile jazz samba (che però, come detto, è principalmente bossa nova) è diventato consuento e parte integrante del linguaggio jazzistico come nei decenni precedenti lo erano stati il blues, la musica di Tin Pan Alley e quella dei grandi compositori americani. Le grandi canzoni di Jobim, soprattutto, sono divenute degli "standard" del jazz e della musica d'intrattenimento al pari di quelle di Cole Porter e Irving Berlin.
Col tempo l'interesse per lo stile bossa nova è un po' declinato ed è spesso associato alla musica da "night-club" come forma di intrattenimento "d'atmosfera" per la rilassatezza delle sue linee melodiche suonate su una base ritmica "soft" che manca della forza della originale "batida" così come l'avevano intesa João Gilberto, Jobim e i loro seguaci.

Paradossalmente, l'incontro tra i due principali generi musicali del continente americano, non avvenne per opera di coloro che li avevano inventati e ne avevano fatto la storia e stabilito le caratteristiche.
Il jazz nordamericano è sostanzialmente dovuto all'influenza dei ritmi africani mescolati con la musica europea e folcloristica dei bianchi. Allo stesso modo, ma con modalità completamente diverse, la musica brasiliana, nasce dall'unione dei ritmi importati dagli schiavi con la musica portoghese e dai ritmi indigeni (la musica brasiliana, come il suo popolo, ha tre anime).
In entrambe le situazioni, tradizione musicale europea, tradizioni religiose (protestanti al nord, cattoliche al sud), si sono mescolate al temperamento dei neri che sono stati i maggiori interpreti, innovatori e animatori della musica dei due sub-continenti.
La vera "fusion" tra il jazz nordamericano ed il samba (musica) brasiliano (nella loro forma più moderna) avviene invece ad opera di musicisti bianchi. La bossa nova era una forma di samba totalmente reinventato da un gruppo eterogeneo come collocazione geografica, ma del tutto omogeneo come caratteristiche sociali: si trattava di bianchi della società borghese, modernista e ispirata dal nuovo vento di risveglio economico e nazionalistico, del Brasile di Juscelino Kubitschek. Il jazz con cui si fuse, ad opera dei suoi stessi inventori, negli Stati Uniti nei primi anni sessanta, era quello di un musicista di successo come Stan Getz, che molto doveva al vero jazz nero, ma che era uno dei maggiori esponenti della musica più cool, amata dal grande pubblico, bianco, quello che comperava i dischi e votava nei referendum delle testate specializzate.
In ogni caso, il jazz nero stava già cambiando in modo vorticoso negli stessi anni (ad esempio per opera di John Coltrane) e poco dopo anche la musica brasiliana sarebbe cambiata.

Discografia essenziale
Brazilliance, Vol. 1 e Vol.2 - Laurindo Almeida & Bud Shank - 1953 - 1958
Jazz Samba - Stan Getz & Charlie Byrd - 1962
Do The Bossa Nova with Herbie Mann - Herbie Mann - 1962
Getz/Gilberto - Stan Getz & João Gilberto - 1964

http://it.wikipedia.org/wiki/Bossa_nova
http://it.wikipedia.org/wiki/Jazz_samba
http://it.wikipedia.org/wiki/Latin_jazz

Il Vocalese

2011-01-25T17:30:00.000-08:00

Il Vocalese

Vocalese (parola composta da (EN) vocalize più il suffisso -ese a indicare un linguaggio) è uno stile canoro jazz in cui le parole sono adattate a melodie originariamente eseguite come composizione orchestrale o improvvisata. Mentre il fraseggio scat adopera parole improvvisate e prive di senso, scelte per il loro suono e andamento ritmico, il vocalese usa una normale versificazione, a volte improvvisata, a volte scritta sulla base di un assolo preregistrato.
Tra i pionieri del vocalese vanno annoverati i nomi di King Pleasure, Eddie Jefferson (che mise in versi la versione di So What dell'album Kind of Blue) e Babs Gonzalez, mentre tra i gruppi più noti figura Lambert, Hendricks e Ross, composto da Jon Hendricks, Dave Lambert e Annie Ross. Il testo di Ross per la canzone Twisted, basato su un'improvvisazione blues del sassofonista Wardell Gray, rappresenta un classico del genere. Un altro classico è l'esecuzione di Ella Fitzgerald di How High The Moon che combina scat, vocalese, e citazioni da Ornithology (una parafrasi della canzone originale). Altri artisti che si sono cimentati con il genere sono Giacomo Gates, Kurt Elling, Al Jarreau, e i Manhattan Transfer che hanno registrato un album omonimo.
Alcuni cantanti, soprattutto Slim Gaillard, Cab Calloway e Leo Watson erano soliti combinare vocalese e scat nello stesso pezzo.
La maggior parte dei versi scritti per il vocalese sono sillabici piuttosto che melismatici, il che porta ad avere versi in cui molte parole vengono cantate rapidamente per adattarsi ad una data frase, specie su pezzi di origine bebop.

http://en.wikipedia.org/wiki/Vocalese
http://it.wikipedia.org/wiki/Vocalese

http://www.jazzitalia.net/lezioni/storia/vocalese/gp_moodysmood.asp

Il termine Vocalese, coniato dal critico Jazz Leonard Feather, è l'arte di comporre una canzone e cantarla allo stesso modo come gli assolo strumentale registrata. Vocalese ha raggiunto il suo punto più alto 1.957-62. L'artista può cantare da solista o insieme ad altri , sostenuto da un piccolo gruppo o un orchestra. Bop in natura, il Vocalese raramente si è avventurato in altri stili di jazz e non è mai stato portato al successo commerciale dagli esecutori fino ad anni recenti. Tra quelli noti per la scrittura e l'esecuzione lirica Vocalese sono Eddie Jefferson e Jon Hendricks.

Il jazz modale

2011-01-25T16:53:00.000-08:00

Il jazz modale

Il jazz modale (modal jazz) è uno degli stili del jazz nato nella seconda metà del '900, la cui pietra fondante è datata anni cinquanta e consiste nel libro di teoria musicale Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (The art and science of tonal gravity) di George Russell. Dal punto di vista discografico, quasi tutti i critici identificano in Kind of Blue di Miles Davis (1959) come il primo album modale della storia del jazz, anche se alcuni lavori precedenti già ne preannunciavano la diffusione, come ad esempio Somethin' else di Julian Cannonball Adderley (1958, con Miles Davis) e Milestones di Miles Davis (1958, con Cannonball Adderley). Altri album notevoli furono in seguito My Favorite Things del 1960 e Impressions del 1963 di John Coltrane e Maiden Voyage di Herbie Hancock del 1965.

Principi

Il jazz modale sostanzialmente svincola la progressione degli accordi dalla tonalità del brano (cioè non richiede che gli accordi siano necessariamente rispondenti alle regole dell'armonia tonale, ossia costruiti per armonizzazione dei vari gradi della tonalità). Inoltre associa ad ogni accordo differenti scale "modali", ciascuna con una sua tonica, dalle molteplici e differenti sfumature, sempre in maniera indipendente e svincolata dalla tonalità. Nell'analizzare questo genere musicale si può infatti parlare di applicazione successiva di differenti scale modali (non necessariamente diatoniche, ma ad esempio anche pentatoniche) invece che di successione di accordi: nella composizione di frasi e periodi musicali si usano frammenti di scale modali fra loro in relazione, mentre il passaggio da un periodo ad un altro (caratterizzato da altro accordo o scala modale) avviene mediante particolari soluzioni melodiche, senza che i suoni siano mai in evidente relazione con una tonalità. Si ragiona quindi prevalentemente in maniera scalare (ossia pensando "per scale") e le stesse armonizzazioni e costruzioni di accordi possono muovere su tutta l'estensione di una data scala, potendo impiegare potenzialmente qualsiasi nota. Viene così a perdersi la simbiosi tra armonia e melodia che aveva contraddistinto tutta la produzione jazzistica fino all'avvento del jazz modale.
Nasce come reazione al Bebop e all'Hard bop, che avevano incrementato le strutture jazzistiche con progressioni armoniche di tipo tonale caratterizzate da numerosi accordi diversi e numerose sostituzioni armoniche, spesso accompagnate da un ritmo ossessivo, opponendo ad essi la ricerca di una situazione musicale più distesa e di maggior distensione sia sul tempo che sull'armonia.
Il metodo sortisce i suoi primi effetti alla fine degli anni cinquanta e si sviluppa anche nella metà degli anni sessanta con l'intento di portare innovazione nel linguaggio jazzistico e soprattutto per distaccarsi dall'aggressività dell'Hard bop.
Inoltre questo nuovo stile sfruttava scale sostitutive, accordi (svincolati dalla tonalità) costruiti per intervalli di quarta o quinta (anziché per terze, come nella musica tonale tradizionale) e più libertà nel fraseggio.

Aspetti tecnici

Primi autori utilizzatori del '900 furono Miles Davis, e Bill Evans corresponsabile, perché detentore della parte armonica e perché precedentemente lavorò alla corte del pianista George Russell, inventore di questo metodo. Inoltre Russell ci indica anche John Coltrane col suo lavoro Giant Steps. I voicing vengono sviluppati su poche scale armoniche prestabilite e spostati su di esso, senza "cadenzare" (ricordiamo "So What" e "Milestones"). Le scale non derivano più da alcun sistema, sono indipendenti, ma collegabili tra loro. In seguito troviamo Wayne Shorter come principale compositore ed esecutore di brani modali complessi. Alcune regole:
Si possono usare progressioni tipiche e appartenenti ad un dato sistema scalare.
Si possono creare collegamenti scalari nuovi, armonizzando più o meno le scale tra loro.
I metodi usati sono i vecchi sistemi di collegamento tra le scale:
collegamento tramite un basso comune a più battute o pedale, mentre la parte armonica superiore varia.
collegamento tramite il legame della nota caratteristica tra le scale.
I metodi moderni (Persichetti, Miller) propongono un riutilizzo delle vecchie scale modali in chiave moderna. Le scale vengono ordinate in base alle sfumature di colore tra loro: dalla più chiara alla più scura. Si va dalla:
Lidia
Ionica
Misolidia
Dorica
Eolia
Frigia
Locria

http://it.wikipedia.org/wiki/Musica_modale
http://en.wikipedia.org/wiki/Modal_jazz
http://it.wikipedia.org/wiki/Modal_jazz

http://www.georgerussell.com/

http://it.wikipedia.org/wiki/George_Russell
http://it.wikipedia.org/wiki/Mulgrew_Miller
http://it.wikipedia.org/wiki/Andrew_Hill

Betty Carter

2011-01-15T17:26:00.000-08:00

Betty Carter per il suo caratteristico e personale modo di cantare composto da scatti e repentini stop, che la facevano sembrare sempre fuori tempo. Ha usato la voce alla stregua di un sassofono, diremmo quello alto di Charlie Parker. E' una cantante molto brava

La prossima Notte di jazz

2011-01-15T17:20:00.001-08:00

La prossima Notte di jazz ci sposteremo di nuovo negli Usa esplorando gli stili jazzistici che vanno dagli anni 50 agli anni 70 in particolare ci soffermeremo sul hard bop e sul jazz modale

http://www.apassion4jazz.net/timeline.html

Jazz dagli anni 50 agli anni 70

Ci spostiamo di nuovo negli USA ed esploriamo ora gli stili jazzistici che vanno dagli anni 50 agli anni 70 in particolare ci soffermeremo sul hard bop e sul jazz modale

1940 - 1960

Le mutate condizioni economiche costrinsero alla chiusura la maggior parte delle grandi orchestre. Solo le maggiori sopravvissero: quelle di Duke Ellington, Count Basie, Woody Herman e Stan Kenton furono tra le più longeve, prolungando la loro attività anche negli anni 1960 e oltre.

Charlie Parker, Tommy Potter, Miles Davis, Duke Jordan, Max Roach, 08/1947. Foto Gottlieb.
Attorno al 1945, da un gruppo di giovani musicisti che si ritrovano a tarda ora alle jam session che si tenevano in due locali di Harlem, il Minton's Playhouse e il Monroe's, lo stile, detto dapprima rebop, poi bebop o semplicemente bop, dal suono di una frase ricorrente nei brani tipici di questa nuova musica. Caratterizzato da armonie complesse e tempi velocissimi, il bebop fu tenuta a battesimo dal trombettista Dizzy Gillespie che ne fu il pioniere assieme all'alto sassofonista Charlie Parker - detto Bird o Yardbird. Il successo del nuovo genere, che richiamava un pubblico intellettuale (i bopper attirarono subito l'ammirazione di molti esponenti del movimento letterario beatnik) e molto più ristretto di quello delle big band, mise in luce altri protagonisti del periodo: il pianista e compositore Thelonious Monk e il suo amico (anch'egli pianista) Bud Powell, il batterista Kenny Clarke, i trombettisti Clifford Brown e Fats Navarro, i sassofonisti Sonny Rollins e Sonny Stitt, i batteristi Max Roach e Kenny Clarke. Il bebop fu molto criticato sia come movimento giovanile e fenomeno sociale, sia - per motivi diversi - dal punto di vista musicale. La critica sociale verteva inizialmente sugli aspetti più provocatori dell'atteggiamento e dello stile di vita dei bopper per focalizzarsi poi soprattutto sulla contiguità tra il mondo del jazz e la droga, che agli inizi degli anni 1950, iniziò a mietere vittime di alto profilo tra i jazzisti in generale e tra i bopper in particolare. Billie Holiday, Fats Navarro e Charlie Parker furono solo i più famosi musicisti a trovare la morte a causa della loro dipendenza: molti altri, se non morirono, dovettero subire le conseguenze di questo flagello. Sotto il profilo musicale, alcuni artisti della generazione precedente (che i bopper chiamvano "mouldy figs", fichi ammuffiti) si distinsero come critici particolarmente severi: il più famoso di questi fu senz'altro Louis Armstrong. Altri importanti esponenti della corrente del jazz classico tuttavia, seppero cogliere gli elementi d'interesse contenuti nel nuovo movimento: un nome fra tutti è quello di Coleman Hawkins.

La fine degli anni 40 e la prima metà degli anni 1950 videro una reazione agli aspetti più estremi del movimento bebop, reazione che, dalle sue caratteristiche melodiche e rilassate, prese il nome di cool jazz. Iniziato a New York e nel Midwest dalle esperienze di Miles Davis e Gil Evans (dei quali si ricorda l'album "Birth of the Cool"), Lennie Tristano ed altri, il cool jazz fu il primo stile jazz a radicarsi in California. Molti dei suoi protagonisti furono bianchi: Gerry Mulligan e Chet Baker (che diedero vita ad un famosissimo quartetto), Lee Konitz, Dave Brubeck, i sassofonisti Stan Getz (che fu anche protagonista della fusione del jazz con la musica brasiliana) e Paul Desmond. L'afroamericano John Lewis elaborò l'estetica cool creando un quartetto, il Modern Jazz Quartet, che fuse il jazz con elementi e sonorità derivanti dalla musica classica (soprattutto barocca) europea. Da queste esperienze prese il via un movimento, detto "Third Stream" che cerava di coniugare il jazz con altre esperienze provenienti dalla traizione musicale colta: uno dei suoi maggiori esponenti fu Gunther Schuller.
Il bebop nel frattempo maturò, abbandonando parte delle sue caratteristiche più sperimentali ed evolvendosi in un genere di più facile ascolto che fu chiamato hard-bop, tra i cui protagonisti si ricordano Art Blakey, e i suoi Jazz Messengers, Horace Silver, Miles Davis e le sue classiche formazioni comprendenti John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers, Philly Joe Jones, Cannonball Adderley.

Le esperienze di jazz orchestrale continuarono, anche se con difficoltà, con le orchestre di Count Basie, Duke Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, e con le originali collaborazioni di Miles Davis e Gil Evans. Il contrabbassista Charles Mingus si segnalò come personaggio di grande spicco alla testa di formazioni allargate (anche se non di organico propriamente orchestrale).

1960-1970

Nel corso di questo decennio il jazz affrontò numerose trasformazioni che finirono per frazionarlo in molteplici stili.

La corrente hard bop iniziò a dividersi tra coloro che seguirono l'esperienza di Miles Davis e John Coltrane nel cosiddetto jazz modale (uno stile musicale meditativo e intellettuale, che vide la sua fondazione nella storica incisione di Davis nel 1959, "Kind of Blue") e quanti invece preferirono avvicinarsi al Rhythm and blues praticando quello che alcuni chiamavano "soul jazz".

Lo stile modale visse il suo periodo più fecondo a cavallo tra la fine degli anni 1950 e la metà degli anni 1960, soprattutto con l'attività del (secondo) quintetto di Miles Davis e del quartetto di Jon Coltrane, finendo col diventare un idioma consolidato della tradizione jazzistica.

Una tendenza senz'altro più radicale e controversa fu determinata dal contemporaneo avvento di uno stile che venne dapprima chiamata "The New Thing" ("La cosa nuova") e in seguito "Free Jazz". Fondato alla fine degli anni 1950 da giovani musicisti quali Ornette Coleman e Cecil Taylor, il free jazz praticava una forma d'improvvisazione collettiva totale la cui conseguenza è la totale frantumazione della maggior parte delle idee tradizionali di forma, armonia, melodia e ritmo. Oltre ad implicare una forte componente di critica politica e sociale, il free incorporava anche una moltitudine di influenze musicali di provenienza Asiatica e Africana. Il free attrasse l'attenzione di molti protagonisti (Charles Mingus, Steve Lacy, Sun Ra), reclutò giovani brillanti (Archie Shepp, Albert Ayler, Pharoah Sanders) e si attirò le aspre critiche di alcuni dei nomi più in vista (Davis e Gillespie tra gli altri) dando origine a polemiche che furono tra le più violente che il jazz avesse mai conosciuto e che durarono decenni senza mai esaurirsi completamente, anche dopo che l'esperienza storica del free jazz poté dirsi conclusa: i critici più accesi affermarono che il free jazz rimuoveva la distinzione tra chi sapeva suonare e chi no. Non v'è comunque dubbio che il movimento free mancasse quasi totalmente della componente popolare che per lungo tempo aveva costituito una delle due anime del jazz, e che fosse seguito quasi esclusivamente dalle elite: questo, negli USA, ne decretò anche un crescente insuccesso commerciale, che diveniva tanto più evidente quanto più si ingigantiva il successo di altri generi musicali contemporanei. Nel free jazz finirono per confluire alcuni esponenti della parte considerata più "colta" del jazz: il più in vista tra questi fu senz'altro John Coltrane, che si avvicinò al movimento free negli ultimi anni della sua vita. Il free ebbe miglior fortuna in Europa, dove molti giovani musicisti lo adottarono come un veicolo che gli permetteva d'incorporare nel linguaggio jazzistico una varietà di contesti musicali e culturali.

Una diversa tendenza stilistica nacque dall'attenzione reciproca che alcuni musicisti jazz e le nuove leve della musica brasiliana si rivolgevano. Già Jelly Roll Morton aveva definito il jazz come una musica che conteneva "sfumature spagnole" (spanish tinge). Questa definizione era stata onorata nel corso degli anni da diversi compositori (un nome per tutti:Duke Ellington) Negli anni 1950 alcuni musicisti, il cui più famoso rappresentante era senz'altro Dizzy Gillespie, avevano coniugato col jazz temi stilistici tipici della musica cubana e latina in generale ("Afro-Cuban bop"). Questo stile si avvaleva dell'apporto e dell'influenza musicisti provenienti dall'america latina (Chano Pozo, Xavier Cugat, Tito Puente, Arturo Sandoval), nonché della strumentazione e delle forme tipiche della tradizione latina. Fu nel solco di questa tradizione che negli anni 1960 gli esponenti del movimento brasiliano detto Bossa Nova (Elizete Cardoso, Antonio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes, Joao Gilberto, Luiz Bonfa, Chico Buarque de Hollanda) intrapresero varie collaborazioni con musicisti jazz come Stan Getz e Charlie Byrd creando uno stile noto come jazz samba. Il movimento fu lanciato da una serie di incisioni di Getz, le più famose delle quali, che videro anche la partecipazione di Joao Gilberto e di sua moglie Astrud Gilberto in veste di cantante. Queste lanciarono diversi brani che divennero successi planetari (tra gli altri: La ragazza di Ipanema).

Nella seconda metà degli anni 1960, l'irruzione del fenomeno della musica di massa, che in gran parte s'imperniava sulle generazioni più giovani e sulla loro musica d'elezione, il rock, mise in difficoltà, anche economica, la gran parte dei musicisti jazz. Quelli che non scelsero la critica radicale del free e che non sparirono dalla scena dovettero cambiare stile. Alcuni scelsero di accentuare il carattere funky della loro musica fino ad apparentarla al funky e alla sempre più popolare muscia soull-dance. Una diversa tendenza cercava l'avvicinamento rock e all'elettronica, e portò alla nascita della cosiddetto genere fusion. Molti critici ritengono che fra le prime incisioni fusion vi siano Hot Rats di Frank Zappa, il quale sembrò avvicinarsi al jazz partendo dal rock con quest'album del 1969, ed il doppio album Bitches Brew di Miles Davis (1970). Seguirono poi numerosi protagonisti, cono nomi quali quelli di Weather Report (un supergruppo comprendente alcuni ex musicisti di Miles Davis - Joseph Zawinul e Wayne Shorter - e la nascente stella del basso Jaco Pastorius), Herbie Hancock, il trombettista Freddie Hubbard. Molte di queste esperienze furono bollate dalla critica come commerciali (e alcune indubbiamente lo furono).

Hard-Bop

Il bebop nel maturò, abbandonando parte delle sue caratteristiche più sperimentali ed evolvendosi in un genere di più facile ascolto che fu chiamato hard-bop, tra i cui protagonisti si ricordano Art Blakey, e i suoi Jazz Messengers, Horace Silver, Miles Davis e le sue classiche formazioni comprendenti John Coltrane, Red Garland, Paul Chambers, Philly Joe Jones, Cannonball Adderley.

Le esperienze di jazz orchestrale continuarono, anche se con difficoltà, con le orchestre di Count Basie, Duke Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, e con le originali collaborazioni di Miles Davis e Gil Evans. Il contrabbassista Charles Mingus si segnalò come personaggio di grande spicco alla testa di formazioni allargate (anche se non di organico propriamente orchestrale).

http://it.wikipedia.org/wiki/Hard_bop

Artisti principali :

Cannonball Adderley, sax contralto
Donald Byrd, tromba
Art Blakey, batteria
Clifford Brown, tromba - flicorno
Jaki Byard, pianoforte
Sonny Clark, pianoforte
John Coltrane, sax tenore e sax soprano
Miles Davis, tromba
Eric Dolphy, sax alto, flauto, clarinetto, clarinetto basso
Lou Donaldson, sax contralto
Kenny Dorham, tromba
Kenny Drew, piano
Tommy Flanagan
Art Farmer
Curtis Fuller, trombone
Benny Golson, sax tenore
Dexter Gordon, sax tenore
Johnny Griffin, sax tenore
Roy Haynes, batteria
Joe Henderson, sax tenore
Andrew Hill, pianoforte
Freddie Hubbard, tromba - flicorno
Philly Joe Jones, batteria
Jackie McLean, sax contralto
Charles Mingus, contrabbasso - pianoforte
Blue Mitchell, tromba
Hank Mobley, sax tenore
Thelonious Monk, pianoforte
Lee Morgan, tromba
Oliver Nelson, sax alto e tenore
Max Roach, batteria
Horace Silver, pianoforte
Bobby Timmons, piano
Mal Waldron, pianoforte

Il jazz modale

Il jazz modale (modal jazz) è uno degli stili del jazz nato nella seconda metà del '900, la cui pietra fondante è datata anni cinquanta e consiste nel libro di teoria musicale Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (The art and science of tonal gravity) di George Russell. Dal punto di vista discografico, quasi tutti i critici identificano in Kind of Blue di Miles Davis (1959) come il primo album modale della storia del jazz, anche se alcuni lavori precedenti già ne preannunciavano la diffusione, come ad esempio Somethin' else di Julian Cannonball Adderley (1958, con Miles Davis) e Milestones di Miles Davis (1958, con Cannonball Adderley). Altri album notevoli furono in seguito My Favorite Things del 1960 e Impressions del 1963 di John Coltrane e Maiden Voyage di Herbie Hancock del 1965.

http://it.wikipedia.org/wiki/Jazz_modale

http://en.wikipedia.org/wiki/Modal_jazz

Sentimental, l'archivio digitale della musica italiana degli anni '20, '30 e '40.

2010-12-07T07:52:00.001-08:00

http://www.sentimental.it/$ita/catalogo/default.asp?tree=4&cat=5.2

tra cui moltissimi brani di jazzisti italiani

Restiamo in italia

2010-12-07T07:49:00.000-08:00

http://it.wikipedia.org/wiki/Quartetto_Cetra
http://it.wikipedia.org/wiki/Franco_Cerri
http://it.wikipedia.org/wiki/Bruno_Martino
http://it.wikipedia.org/wiki/Gorni_Kramer

http://it.wikipedia.org/wiki/Renato_Carosone
http://it.wikipedia.org/wiki/Flo_Sandon's
http://it.wikipedia.org/wiki/Giorgio_Azzolini
http://it.wikipedia.org/wiki/Nicola_Arigliano
http://it.wikipedia.org/wiki/Pino_Presti

2010-12-07T07:25:00.000-08:00

Swing italiano

La paternità dello swing italiano, nato su emulazione del filone americano, è da attribuire ad Alberto Rabagliati ed al Trio Lescano delle sorelle Lescan; seguirono i pionieri Natalino Otto, Ernesto Bonino, i direttori d'orchestra della EIAR ("ritmi moderni" della RAI):

Pippo Barzizza, Cinico Angelini, Tito Petralia, Giorgio Ferrari, i celebri Piero Piccioni e Nunzio Rotondo, famosi per l'innovativo programma radiofonico eclipse. In seguito anche Fred Buscaglione si ispirò allo swing americano per le sue innovative canzoni. In tempi più recenti, famoso e stimato swingman italiano fu Sergio Caputo, che soprattutto con i suoi primi album fece apprezzare questo genere alle nuove generazioni.

da non dimenticare il famoso Quartetto Cetra

http://it.wikipedia.org/wiki/Alberto_Rabagliati

http://it.wikipedia.org/wiki/Trio_Lescano

http://it.wikipedia.org/wiki/Natalino_Otto

http://it.wikipedia.org/wiki/Ernesto_Bonino

http://it.wikipedia.org/wiki/EIAR

http://it.wikipedia.org/wiki/Pippo_Barzizza

http://it.wikipedia.org/wiki/Cinico_Angelini

http://it.wikipedia.org/wiki/Tito_Petralia

http://it.wikipedia.org/wiki/Piero_Piccioni

http://it.wikipedia.org/wiki/Nunzio_Rotondo

http://it.wikipedia.org/wiki/Fred_Buscaglione

http://it.wikipedia.org/wiki/Sergio_Caputo

http://it.wikipedia.org/wiki/Quartetto_Cetra

Lo Swing ed il Jazz italiani negli anni '20-'40. Tra popolarità e divieti.

2010-11-30T15:06:00.000-08:00

Lo Swing ed il Jazz italiani negli anni '20-'40. Tra popolarità e divieti.

In Italia negli anni '20 si affermano due "strani" fenomeni, il fascismo ed il jazz. Due fenomeni completamente diversi, (coercitivo il primo, libero il secondo) che in comune hanno solo la nascita della radio e il suo utilizzo.

Ma la cosa più strana è che nonostante il disprezzo e l'avversione del fascismo nei confronti del jazz, musica considerata "degenerata", e soprattutto durante il periodo di maggiore censura artistica e musicale, il jazz italiano vive il suo periodo di massismo splendore e popolarità.

Piccola storia
( da http://jazzfromitaly.splinder.com/ )

Il 23 marzo 1919 Benito Mussolini diede luogo alla nascita del Movimento Fascista,con il nome di Fasci di Combattimento (sic!).

Nel 1917 assistiamo alla nascita della discografia jazz con l’incisione a New York dellaOriginal Dixieland Jazz Band - diretta dall’italoamericano Nick La Rocca -, e già nel 1919 troviamo in Italia documenti discografici di incisioni jazz.

Tra il 1922 e il 1925, Mussolini svolge un sistematico processo di fascistizzazione dello Stato,delle sue strutture e del suo ordinamento, gettando le basi della dittatura.

Nell’agosto del 1924, nasce l’URI Unione Radiofonica Italiana per volontà di una figura di rilievo nel ventennio fascista, Galeazzo Ciano.

Il regime e la sua propaganda, punta molto sull’uso della radio, unico elemento di erogazione dell’informazione e della cultura, gratuito.

EIAR Il 1° Febbraio 1926, la stazione di Milano in diretta radiofonica, trasmette il primo programma musicale della Jazz Band del Maestro Stefano Ferruzzi. Un’ora dopo, dall’antenna della radio sul Monte Parioli di Roma si diffonde la musica dell’Orchestra jazz del maestro Amedeo Escobar.

E ancora l’orchestra Jazz Columbia del Maestro De Risi o la Mediolana Jazz Band nata sempre nel ’26 per iniziativa di un appassionato, Mario Mantovani.
Nel 1928 l’URI diventa EIAR (Ente Italiano Audizioni Radiofoniche) con più stretto controllo pubblico, e nel 1929 nasce il primo film-sonoro, “Il cantante di Jazz” con Al Jolson.

Negli anni ‘30, inoltre, si creano delle orchestre radiofoniche che inglobano strumenti della tradizione europea e “nuovi” fiati di provenienza americana, come quelledi Vaccari, Mascheroni, Pippo Barzizza o di Cinico Angelini.

Insomma, jazz in radio ce n’era, ma si passava tutta musica dal vivo.

Questo ostacolava la vendita del disco, quindi su pressioni dei grandi imprenditori, si è scelto di incorporare l’industria discografica in quella radiofonica. All’interno della radio italiana, sotto la presidenza di Giancarlo Vallari, nasce la prima etichetta discografica pubblica, la CETRA.

Tra le orchestre che usufruiranno del binomio produzione discografica/radiofonica, è quella Barzizza-Cetra che dimostra il più alto profilo jazzistico. Ovviamente il riferimento musicale è al Duca del Jazz ma, a differenza di Duke Ellington, Barzizza non concede molti assolo ai suoi orchestrali, prediligendo un suono d’insieme.
Di notevole interesse è l’interpretazione dello stile Jungle, grazie all’apporto di sordine sugli ottoni e l’utilizzo dei suoni onomatopeici, sia nei titoli che nel cantato, in puro stile scat italiano.
Ricordiamo Ba-ba-baciami piccina, il frivolo Tuli-tuli-tulipan,e il “motivetto” che fa dudu dudu dudududu dudu.

A metà degli anni ’30, seguendo una corrente di apprezzamento della musica jazz in tutta Europa, anche in Italia si assiste ad un fiorire di interessi e di ricerche.Per la prima volta Louis Armstrong suona in Italia, al Teatro Chiarella di Torino il 14 gennaio 1935. E, nella stessa città, nasce il primo “circolo Hot Club”.

L’anno dopo nasce il “circolo Jazz Hot” a Milano e i pionieri e gli appassionati, nonostante fossero una piccola élite, si riuniscono per ascoltare i dischi, per commentare, per scambiarsi informazioni.
Tra questi vanno ricordati Roberto Nicolosi e Luigi Arduino a Genova, Mario Olivieri, Jack Cappelli, Paolo Moresco e Franca Danesi a Roma, Livio Cerri a Pavia, Ezio Levi e Giancarlo Testoni a Milano.

I dischi jazz in Italia venivano pubblicati già dal 1920, su labels come la Odeon (Swing Series), la Columbia e la Brunswick (americane), la Pathé (francese) la Parlophon (anglo-tedesca, rappresentata in Italia dalla Cetra).

Il culmine della produzione discografica del jazz italiano di quegli anni si avrà dal 1937 al ’41, con le etichette Grammofono-La Voce del Padrone, Odeon (serie dei “Maestri del Ritmo”) e, su tutte la FONIT Fonidisco italiano dei F.lli Trevisan, che nel dopoguerra si fonde con la Cetra.

Curiosamente,proprio negli anni di inasprimento della politica estera fascista e del varo delle leggi razziali, nel 1938. E sì, perché nell’ottica di un protezionismo esasperato dell’economia nazionale, anche la produzione culturale deve essere allineata ai parametri del regime.

Nel Luglio 1938 il Giornale D’Italia pubblica “Il Manifesto degli Scienziati Razzisti”, nell’ottobre una dichiarazione del Gran Consiglio fascista vieta i matrimoni di italiani con uomini e donne di razze non ariane. Il Ministero per la Stampa si trasforma in Ministero della Cultura Popolare (Minculpop) ed assume il controllo totale degli organi di stampa, dell’Istituto Luce e della SIAE.
Vengono censurati i film internazionali di produzioni “giudaico-americane”, come la Paramaunt, la Warner Bros e la Metro e, attraverso pressioni ed emendamenti si cerca di salvaguardare la “dura e fiera” canzone fascista da “tutta la paccottiglia straniera” che non si può più trasmettere in Radio.

Quindi la musica jazz, di provenienza afro-americana, viene messa “sotto controllo”.

Una parte della critica, sottomessa ai voleri del regime, elabora teorie e proclami e si spende per denigrare il valore della musica jazz, o “gez” come venne più volte chiamata.
Il libro più asservito fu “Jazz Band” di Anton Giulio Bragaglia[5], che fruttò in cambio all’autore la direzione del nuovo Teatro delle Arti di Roma.
Ma anche sulle pagine dei quotidiani e nei discorsi alla radio i detrattori continuaronola loro “cieca” battaglia:

“… il Commissario dell’Opera Nazionale Dopolavoro ha proibito in via assoluta le ultime danze d’importazione straniera e ha disposto seri provvedimenti per la riforma delle Orchestrine escludendo da esse la Jazz-Band che è, occorre riconoscerlo onestamente, l’abbrutimento della musica…”

[da “L’Amico dei Musicisti”]

“… il jazz è fenomeno di barbarie, oppio e cocaina…” il compositore Pietro Mascagni in un discorso alla radio

Già sul finire degli anni ’30, i musicisti nostrani subivano sempre più pressioni e censure, in merito alla programmazione da loro suonata nelle radio. musica-degenerata
Ricorda Gorni Kramer:

“… era una continua lotta con i dirigenti. Ogni giorno dovevamo presentare la scaletta delle nostre esecuzioni ad una commissione di censura. Non dovevano esserci canzoni straniere, non autori ebrei, vietatissimi il jazz. Noi prendevamo i classici del jazz e li trasformavamo: titoli italiani, italianizzati i nomi degli autori o inventati. Per un po’ è andata bene, poi qualcuno ha cominciato a far girare la voce, e così richiami negli uffici della censura, romanzine dapprima, poi minacce e anche allontanamento dalla radio…”

Nonostante tutto, si riusciva a suonare e a incidere il Jazz internazionale, Louis Armstrong divenne Luigi Braccioforte, Benny Goodman – Beniamino Buonuomo e, c’era sempre Del Duca. I classici si chiamavano Con Stile – In the Mood, Le tristezze di San Luigi – St. Louis Blues, Manna dal cielo – Pennies from Heaven e così via, come descritto altre volte.

Nel 1940, con l’ingresso degli Stati Uniti nella Seconda Guerra Mondiale, il regime aumenta il controllo e la censura sul materiale discografico.
Nel 1942 si emette il decreto la “Disciplina per la diffusione del disco fonografico” e si vieta ogni traccia di cultura “giudaica”.

Il Jazz diventa fuorilegge, insomma.

Vengono fatti sparire i 78 giri e le matrici dai magazzini della radio, e distrutti quelli nei depositi della Cetra, Parlophon e Voce del Padrone. Avvengono sequestri e azioni punitive da parte della polizia fascista, con arresti e distruzione degli strumenti e sequestro dei dischi e degli spartiti.

Un altro autore che fu messo sotto sorveglianza per il suo lavoro fu Mario Panzeri, In collaborazione con Kramer nasce “Maramao perché sei morto” (1939), composta dopo la morte del gerarca Costanzo Ciano: il titolo del brano fu scritto da alcuni studenti sul piedistallo del monumento che il governo aveva deciso di costruirgli a Livorno.

Nel 1940 scrisse “Pippo non lo sa”: nel protagonista, si riconosce (o si vuole riconoscere) Achille Starace, segretario del Partito Nazionale Fascista, che amava passeggiare impettito in divisa.

Anche tra i cantanti, quelli che scelgono di interpretare il repertorio della canzone americana, vengono mal visti dai tirapiedi del regime. D’esempio è la storia di Natalino Otto (Codognotto il suo vero cognome) che anche questa merita un post a parte. Qui diremmo solo che la sua fù la prima voce di chiara derivazione jazz, dovuto anche al fatto dei suoi frequenti viaggi sulle navi della tratta Genova – New York. L’avversione nei suoi confronti culmina in una contestazione dei fasci durante una serata con Kramer ed il Quartetto Cetra a Bergamo.

Otto, allontanato dal lavoro in radio, esprime il suo dissenso con l’ironia che lo contraddistingue, in una canzone scritta da Romero Alvaro, unica nel suo genere, dove giocando sul doppio senso Amore e Musica, i due autori alludono alle censure del fascismo a carico del Jazz.

The Best Smooth Jazz... Ever!

2010-11-24T16:37:00.000-08:00

The Best Smooth Jazz... Ever!

CD 1
US3- "Cantaloop"
Buddy Rich- "The Beat Goes On"
Bobby Womack- "California Dreaming"
Jose Feliciano/Minnie Riperton- "Light My Fire"
Bill Withers- "Ain't No Sunshine"
Cassandra Wilson- "I Can`t Stand The Rain"
Louis Armstrong- "We Have All The Time In The World"
Julie London-"Fly Me To The Moon"
Billy Taylor- "I Wish I Knew How It Would Feel To Be Free"
Ronnie Laws- "Always There"
Charlie Hunter feat. Norah Jones- "More Than This"
St. Germain- "Sure Thing"
Paul Jackson Jr feat. Earic Dawkins- "Inner City Blues"
Earl Klugh- "I Heard It Through The Grapevine"
Bobby McFerrin- "Don't Worry Be Happy"
Nina Simone- "Work Song"
Nat King Cole- "Nature Boy"

CD 2
Guru feat. D C Lee- "No Time To Play"
D'Angelo- "Brown Sugar"
Bobbie Gentry- "Son Of A Preacher Man"
Bob Dorough- "Three Is A Magic Number"
St. Germain- "Rose Rouge"
Shuggie Otis- "Strawberry Letter 23"
Nancy Wilson- "Call Me"
Donald Byrd- "Just My Imagination (Running Away With Me)"
Luther Vandross- "So Amazing"
Cassandra Wilson- "Time After Time"
Minnie Riperton- "Loving You"
Bob Belden- "Sister Moon"
Carleen Anderson- "Maybe I'm Amazed"
Peggy Lee- "I'm A Woman"
Nat King Cole- "Unforgettable"
Lou Rawls- "The Girl From Ipanema"
Cannonball Adderley- "Sambop"
Elsa Soares- "Mas Que Nada"

CD 3
Lou Rawls- 'For What It's Worth"
Maze- "Joy And Pain"
Timmy Thomas- "Why Can't We Live Together"
The Isley Brothers- "That Lady"
Bobbi Humphrey- "You Are The Sunshine Of My Life"
Marlena Shaw- "Save The Children"
Mica Paris- "Stay"
Shara Nelson- "Down That Road"
Arrested Development- "Everyday People"
Doris- "You Never Come Closer"
Natalie Cole- "This Will Be (1991 Remix)"
Ronnie Laws- "Every Generation"
Ronny Jordan feat. Roy Ayers- "Mystic Voyage"
Bobby Hutcherson- "Theme From M.A.S.H"
Herbie Hancock- "Cantaloupe Island"
Cannoball Adderly- "Mercy Mercy"
Sarah Vaughan- "Round Midnight"
Ella Fitzgerald- "Misty Blue"

CD 4
Chet Baker- "My Funny Valentine"
Patricia Barber- "Use Me (Live)"
Shirley Bassey- "Something"
Julie London- "Cry Me A River"
Peggy Lee- "Here's That Rainy Day"
Duke Ellington & Louis Armstrong- I'm Just A Lucky So And So"
Jimmy Jones Orchestra- "Stormy Weather"
Miles Davis & Cannoball Adderly- "Autumn Leaves"
Bobby McFerrin- "Thinking About Your Body"
Maze feat. Frankie Beverly- "While I'm Alone"
Noel Pointer- "Living For The City"
Ronnie Foster- "Me & Mrs Jones"
Earl Klugh- "Living Inside Your Love"
Tina Turner- "I've Been Loving You Too Long"
Swing Out Sister- "Something Deep Inside"
Lou Rawls- "You Made Me So Very Happy"
Marlena Shaw"- Woman Of The Ghetto"

http://en.wikipedia.org/wiki/The_Best_Smooth_Jazz..._Ever!

2010-11-21T19:30:00.001-08:00

L'argomento della prossima serata jazz di martedì, Sarà Bianco e nero potrò dove si alterneranno pezzi delle orchestre swing bianche a qualche altro pezzo di Bop e musica di artisti di colore, per parlare di una cosa particolare, mentre gli artisti bianchi facevano soldi quelli neri la fame. spesso artisti bianchi facevano soldi cantando canzoni degli artisti neri, molto arrabbiato per questo motivo era Miles Davis e uno degli artisti bianchi che ha fatto soldi in questo modo è stato Chet Baker,
per esempio. La volta successiva ancora, ci sarà un ulteriore collegamento a questo argomento Il jazz in Europa In europa non era così importante che suonasse o cantasse fosse un bianco o un nero, per cui gli artisti neri spesso facevano turnee in europa, dove avevano grande popolarità che era l'unica fonte di cospicui guadagni. Il jazz in Europa non si esaurirà in un solo martedì, argomento affascinate e pieno di molteplici sfaccettature

http://www.facebook.com/pages/Radio-musica-e-dintorni/138244916221687

TaNTi AuGuRi Alla CaRa AMiCa FiRE

2010-11-16T18:16:00.000-08:00

TaNTi AuGuRi Alla CaRa AMiCa FiRE

La linea del tempo della storia del jazz

2010-11-15T18:22:00.000-08:00

Il Jazz e l' Europa

2010-11-15T17:10:00.000-08:00

ìpoi collegato a jazz bianco e jazz nero ci sarà il jazz in europa
già in parte preparato

dovrò fare una ricerca su uno dei miei testi in cui si spiegava che
gli unici soldi che facevano i musicisti neri
erano in Europa
in Europa non era così importante che suonasse o cantasse fosse un bianco o un nero ma come cantava o suonava

Il Jazz e l' Europa

In America il jazz faticherà trovare larghi consensi e approvazione generale a causa dell'impronta che fino dalle origini lo caraterizza
come espressione di un popolo oppresso e vessato sopratutto per motivi razziali.
Molto interessante osservare le varie reazioni in Europa e nella stessa America
In Francia molti fra i più grandi artisti avvertono la potenza innovatrice del Jazz.
Il Jazz è descritti nei dipinti e nelle immagini dell'inizio secolo come una danza matta
selvaggia e disinibita. La Francia con il suo interesse verso tutto quello che viene considerato Esotico
è la prima nazione Europea a riconoscere la potenzialità di musica e arte dell Jazz.

In Italia il jazz attecchì con maggior difficoltà, gli ambienti musicali tradizionali legati alla musica classica non riconobbero al jazz, al principio dignità artistica,
La città all'avanguardia, nella scoperta di questo nuovo genere musica le fu Genova

Il Jazz in Italia anche a seguito dei problemi di incompatibilità, con il regime fascista, fu sentito da una ristretta elitè di illuminati e non ebbe la diffusione che conobbe in
Francia In italia gli appasionati si inventarono un modo geniale per aggirare le maglie strettissime della censura, furono tradotti i titoli delle canzoni e gli autori : Louis Armstrong divenne Luigi Braccioforte e Benny Goodman fu ribattezzato Beniamino Buonuomo. Hoagy Carmichael divenne Ugo Carmelo.
Ma negli anni della guerra il jazz fu bandito da tutti i media

In Europa si guardava con grande interesse al jazz e gli artisti che venivano sul continente a dare concerti ricevevano ottime accoglienze, rese ancora migliori dalla relativa assenza della segregazione razziale e dei pregiudizi che ancora imperavano in America. Questo fece sì che molti jazzisti intraprendessero lunghe tourneèè in Europa (Coleman Hawkins e Sidney Bechet tra gli altri) provocando la nascita di molti gruppi di imitatori. Questa relazione del jazz con l'Europa avrebbe subito una battuta d'arresto nel corso del secondo conflitto mondiale solo per riprendere con ancora maggior vigore negli anni del dopo guerra.
Almeno un musicista europeo riuscì in questo periodo a guadagnarsi una fama che avrebbe attraversato l'oceano in senso opposto, ottenendo una grande fama tra i jazzisti americani. Si tratta di Django Reinhardt, un chitarrista belga di origini zingare che fuse in maniera apparentemente improbabile swing e musica tzigana, guadagnandosi il rispetto dei colleghi americani (che avrebbe incontrato nel loro paese solo verso la fine della sua vita) attraverso le incisioni dei gruppi che formò assieme al violinista francese Stéphane Grappelli.

http://it.wikipedia.org/wiki/Storia_del_jazz#L.27Europa

Jazz bianco e nero

2010-11-15T17:08:00.000-08:00

Prossimamente una ricerca per la serata del prossimo martedì
Collegato alla serata jazz del bob
in cui spiegherò che i neri erano molto arrabbiati
anche per un motivo remunerativo jazzisti bianchi
facevano soldi dischi i neri la miseria

Il Bebop

2010-11-15T17:04:00.001-08:00

Il Bebop

In pieno periodo bellico, i locali e le case discografiche si sforzano di far dimenticare la guerra ed i problemi sociali (in primis l'apartheid nei confronti dei neri): le orchestre swing, come quelle celebri di Benny Goodman e Glenn Miller, sono le più adatte a questo scopo e vengono promosse attivamente. Nelle loro file militano soprattutto musicisti bianchi, che hanno assimilato perfettamente il linguaggio swing e si accaparrano le sempre più scarse occasioni di lavoro.
Per i musicisti neri si pongono due obiettivi: liberarsi dai rigidi arrangiamenti delle big band per esprimersi più liberamente e manifestare tangibilmente la loro ribellione a quel mondo ipocritamente sorridente.
Ma nella 52a strada di New York le cose assumono un aspetto diverso: un ragazzo di 19 anni, proveniente da Kansas City, sta improvvisando sopra uno standard ad una velocità pazzesca, con sostituzioni di accordi ardite e mai sperimentate prima: il ragazzo si chiama Charlie Parker.

Il Bop nasce come naturale e spontaneo affrancamento dall'obbligo di intrattenere i bianchi
atteggiamenti considerati irriverenti come non rispondere agli applausi voltare le spalle al pubblico non salutare prima di andarsene, tipici dei bopper venivano considerati dei veri e propri affronti sopratutto se a farlo erano i neri.

I bopper rivendicarono la loro identità, e non intendevano rinunciarci anche nei lavori più tradizionali.
Venne creata una trincea stilistica, una nuova élite musicale in cui i brani venivano suonati a tempi velocissimi e il livello tecnico richiesto agli strumenti era altissimo

Il bop come movimento esploderà quando Gillespie e Parker si incontreranno

http://it.wikipedia.org/wiki/Storia_del_jazz#Bebop

L'avvento della seconda guerra mondiale, con le ristrettezze e le incertezze che ne conseguirono, pose fine al periodo delle grandi orchestre, la maggior parte delle quali, nel corso del decennio, dovette chiudere.
Bebop 45, da un gruppo di giovani musicisti che si ritrovano a tarda ora alle jam session che si tenevano in due locali di Harlem, il Minton's Playhouse e il Monroe's, nacque uno stile jazzistico nuovo. Questo stile che, con una parola, ricordava il suono di una cadenza caratteristica di due note che ricorreva nei brani in esso eseguito, venne prima detto rebop, poi bebop o semplicemente bop: "Be-Bop" fu anche il titolo di un brano inciso da Dizzy Gillespie nel 1945, che si può dire che segni l'inizio ufficiale del movimento. Il bebop riprendeva molte delle lezioni della musica recente, insegnate da protagonisti come Coleman Hawkins, Art Tatum e Lester Young, aggiungendovi un nuovo approccio al trattamento armonico dei brani, tempi velocissimi, propulsione ritmica non convenzionale e, per la prima volta dalla nascita del jazz, scarsissimo riguardo per la ballabilità e commerciabilità della produzione musicale[17]. I pionieri indiscussi del genere furono l'altosassofonista Charlie Parker e il trombettista Dizzy Gillespie. Parker - che era detto Bird o Yardbird - fu, come già Bix Beiderbecke prima di lui, una figura esemplare di genio autodistruttivo (morì ad appena 35 anni); Gillespie era molto più disciplinato e portato a prendersi cura degli aspetti organizzativi ed economici della propria attività. Nel breve periodo in cui suonarono assieme i due formalizzarono e resero popolare lo stile che avevano inventato, documentato in una serie di incisioni storiche che essi fecero per la "Dial Records". Altri protagonisti del bop divennero allora nomi conosciuti: il pianista e compositore Thelonious Monk e il suo amico (anch'egli pianista) Bud Powell, il batterista Kenny Clarke, il trombettisti Clifford Brown e Fats Navarro, i sassofonisti Sonny Rollins e Sonny Stitt, il batterista Max Roach sono solo alcuni dei protagonisti di questo movimento.
Gillespie e Parker finirono per separarsi, soprattutto a causa delle intemperanze di Bird, che, dopo una permanenza in California, tornò a New York alla testa di un gruppo di cui fece parte, per diverso tempo, il giovane Miles Davis. Dizzy continuò anch'egli la propria carriera da leader, spesso alla testa di orchestre.
Il bebop si caratterizzò come un movimento di musicisti, più che di direttori d'orchestra e di compositori, come testimonia il fatto che le innovazioni da esso apportate non riguardarono praticamente la forma dei brani, che continuò ad essere dominata dalla canzone in trentadue battute AABA e dal blues. Si trattò inoltre di un movimento coscientemente afroamericano: Gillespie ed altri ricordano che una delle motivazionni della loro ricerca era trovare un tipo di musica che i bianchi non potessero copiare. Oltre all'esasperazione ritmica e all'accento che poneva sul virtuosismo strumentale, il bebop trasformò l'approccio armonico, infittendo il tessuto accordale dei pezzi dove trovavano largo impiego accordi di quinta diminuita e toni di colore, e conferendo un andamento orizzontale[18] all'improvvisazione.
Gli atteggiamenti esteriori e lo stile di vita dei boppers, almeno quanto la loro musica, guadagnarono loro l'avversione dei benpensanti e l'attenzione del movimento culturale beatnik, per molti esponenti del quale (Jack Kerouac, Allen Ginsberg, Lawrence Ferlinghetti) i bopper divennero un punto di riferimento musicale, che citavano nelle loro opere, indicando in Charlie Parker la musa del genere.

2010-11-13T17:57:00.000-08:00

Jazz caldo e freddo
con il termine jazz "freddo" si intende tutto il jazz dal bop in poi (un tipo di musica difficile e ostica al primo ascolto) e con il jazz "caldo" quel tipo di jazz popolare alla Louis Armstrong per esempio. Il concetto di jazz caldo e freddo è dovuta ad una traduzione approsimativa dei termini "hot" che significa bollente e "cool" che significa fresco ma anche rilassato. In realtà i due termini differiscono per l'intensità emotiva che imprimono all'esecuzioneGerry Mulligan, il sassofonista bianco alfiere del cool jazz, ha scritto pezzi, che simbolicamente evocano persino nei titoli una sensazione di rilassatezza: Walkin' Shoes " scarpe da passeggio" , Soft Shoes "scarpe morbide" E l'andamento felpato e delicato evocato dal suono vellutato del suo sassofono baritono, esaltano questo senso di relaxLo stesso Mulligan afferma "Ciò che voglio è un jazz da pipa e pantofole: proprio pigro"Liberamente tratto da Jazz istruzioni per l'uso di Massimo Nunzi

Enciclopedia libera.
Il cool jazz (generalmente tradotto come jazz fresco, calmo, rilassato, in senso dispregiativo freddo, anche se raramente si tiene conto del fatto che, usata in gergo, la parola cool può tradursi come figo) è una corrente del jazz affermatasi tra la fine degli anni 1940 e l'inizio degli anni 1950. Pur facendo proprie alcune delle acquisizioni dell'allora imperante bebop, il cool jazz ne fornisce una versione più rilassata, per certi versi cantabile, priva di alcune asprezze armoniche e dalle linee melodiche meno involute, con non pochi riferimenti alla musica eurocolta.

http://it.wikipedia.org/wiki/Cool_jazz
principali esponenti del cool jazz
Lennie Tristano, pianoforte; Miles Davis, tromba - flicorno; Chet Baker, tromba Woody Herman, clarinetto - sassofono Dave Brubeck, pianoforte Gerry Mulligan, sax baritono
Lee Konitz, sax contralto; Paul Desmond, sax contralto; Warne Marsh, sax tenore; Stan Getz, sax tenore; Billy Bauer, chitarra Modern Jazz Quartet, formazione John Lewis, pianoforte Charles Mingus, contrabbasso

http://it.wikipedia.org/wiki/Lennie_Tristano
http://it.wikipedia.org/wiki/Miles_Davis
http://it.wikipedia.org/wiki/Chet_Baker
http://it.wikipedia.org/wiki/Woody_Herman
http://it.wikipedia.org/wiki/Dave_Brubeck
http://it.wikipedia.org/wiki/Lee_Konitz
http://it.wikipedia.org/wiki/Paul_Desmond
http://it.wikipedia.org/wiki/Warne_Marsh
http://it.wikipedia.org/wiki/Stan_Getz
http://it.wikipedia.org/wiki/Billy_Bauer
http://it.wikipedia.org/wiki/Gerry_Mulligan
http://it.wikipedia.org/wiki/Modern_Jazz_Quartet
http://it.wikipedia.org/wiki/John_Lewis
http://it.wikipedia.org/wiki/Charles_Mingus

Cd di jazz

2010-11-13T17:15:00.000-08:00

Legends Off Jazz

Legends Off Jazz

Cd 1.
1.Over The Rainbow - Judy Garland
2. Stormy Weather - Art Tatum
3. Ponchatrain -  Jelly Roll Morton
4. Give Me Your Telephone Number  - J. C. Higginbotham
5. Stardust  - Bing Crosby
6. Oh Babe Maybe Someday  - Ivie Anderson
7. When Day Is Done  - Mildred Bailey
8. Lullaby Of Broadway  - Jimmie Noone
9. Jazz Me Blues  - Bunny Berigan
10. Ill Be A Friend With Pleasure  - Bix Beiderbe Cke
11. Baby Wont You Please Come Home?  - Jimmy Lunceford
12. Honeysuckle Rose  - Fats Waller
13. St Louis Blues  - Benny Goodman
14. On The Sunny Side Of The Street  - Lionel Hampton
15. Tutti Frutti  - Gene Krupa
16. In The Mood  - Glenn Miller
17. Basin Street Blues  - Louis Armstrong
18. Jive At Five  - Count Basie
19. Pennies From Heaven  - Mills Brothers
20. One O Clock Jump  - Harry James

Cd 2.
21. Hot house  - Dizzy Gillespie
22. Mood indigo  - Dinah shore
23. Bojangles  - Ben Webster
24. Twelve o clock jump  - Benny Carter
25. Sensation  - Bud Freeman
26. Flying home  - Charlie Barnet
27. Wine-o-baby boogie big  - Joe Turner
28. Sentimental journey  - Doris Day
29. Billies bounce  - Charlie Parker
30. Carnegie blues  - Duke Ellington
31. Embraceable you  - Billie Holiday
32. Tiger rag  - Art Tatum
33. Its sand man!  - Count Basie
34. You are my sunshine  - Bing Crosby
35. Sophisticated lady  - Coleman Hawkins
36. Georgia on my mind  - Anita O'day
37. Cant we be friends?  - Buster Bailey
38. Begin the beguine  - Art Tatum
39. Three little words  - Bill Coleman \Dickie Wells\ Lester Young\ Joe Bushkin\ John Simmons\ Jo Jones
40. What is this thing called love  - Buddy Rich

Cd 3.
41. A Foggy Day  - Mel Torme
42. Lazy  - Bing Crosby
43. Tea For Two  - Louis Armstrong
44. Cant Help Lovin Dat Man  - Ella Fitzgerald
45. Rocks In My Bed  - Ivie Anderson
46. C Jam Blues  - Louis Armstrong
47. Stairway To The Stars  - Dinah Washinton
48. Night And Day  - Errol Garner
49. High Society  - Edmond Hall
50. Round About Midnight  - Dizzy Gillespie
51. Lover Come Back To Me  - Lester Young
52. Chattanooga Choo Choo  - Glenn Miller
53. Caravan  - Duke Ellington
54. The Skunk  - Fats Navarro
55. St. James Infirmary  - Jack Teagarden
56. Singin In The Rain  - Judy Garland
57. Tuxedo Junction  - Gene Krupa
58. As Time Goes By  - Billie Holiday
59. Baby Its Cold Outside  - Dinah Shore & Buddy Clark
60. Somebody Loves Me  - George Wettling

Cd 4.
61. Begin The Beguine  - Les Brown
62. Bloomdido  - Charlie Parker
63. Flying Home  - Oscar Peterson
64. Almost Like Being In Love  - Nat King Cole
65. All Of You  - Mel Torme
66. Dont Get Around Much Any More  - Dinah Washington
67. Anniversary Song  - Dinah Shore
68. Mister And Missisippi  - Patti Page
69. Funny Not Much  - Nat King Cole
70. A Bushel & A Peck  - Perry Como
71. Cant Get Out This Mood  - Sarah Vaughan
72. Jealousy  - Frankie Laine
73. Half Nelson  - Gerry Mulligan
74. After Work  - Herbie Mann
75. My Heart Cries For You  - Guy Mitchell
76. Cotton Tail  - Ben Webster
77. Autumn Nocturne  - Herbie Mann
78. Aint Misbehaving  - Sarah Vaughan
79. Ive Got You Under My Skin  - Stan Getz
80. Chicken Little  - Herbie Mann

Cd 5.
81. Nice Work If You Can Get It - Sarah Vaughan
82. The Lady In Red - Sant Kenton (And His Orchestra)
83. Straight No Chaser - Thelonious Monk
84. Roving Kid - Guy Mitchell, The
85. Shaw 'nuff - Dizzy Gillespie
86. Orange Colored Sky - Nat King Cole
87. Riders In The Sky - Peggy Lee
88. Wildwood - Art Farmer
89. Rose O'Day - Mel Torm
90. Midnight Sun - Coleman Hawkins
91. My Melancholy Baby - Charlie Parker
92. Red Door - Zoot Sims, The
93. No Other Love Havi I - Les Brown
94. My Little Suede Shoes - Herbie Mann
95. Out Of Nowhere - Stan Getz
96. Night And Day - Oscar Peterson
97. Rollin' Stone - Perry Como
98. Tennessee Waltz - Patti Page
99. So What - Gerry Mulligan
100. Ain't Nothing Good - Dinah Washington

I miei CDs: All Jazz

2010-11-13T16:33:00.000-08:00

Cd 1. Jazz Divas

1 Straighten Up and Fly Right - Diana Krall
2 You're The Top - Stacey Kent
3 Close Your Eyes - Anne Ducros
4 This Can't Be Love - Sara Lazarus
5 When Malindy Sings - Abbey Lincoln
6 Why Don't You Do Right? - Mina Agossi
7 Blue Moon - Jacqui Dankworth
8 I'll Never Be the Same - Elisabeth Kontomanou
9 One For My Baby - Isa Sand
10 It Is a Crime - Rigmor Gustafsson
11 Blue Skies - Clare Teal
12 Ool Ya Koo - Ella Fitzgerald
13 Let Me off Uptown - Anita O'Day
14 It's Magic - Sarah Vaughan
15 Don't Explain - Billie Holiday
16 I Walk the Line - Norah Jones & Joel Harrison
17 Maybe Now - Clara Hill
18 The Way Young Lovers Do - Viktoria Tolstoy
19 Feeling Good - The Quantic Soul Orchestra ft. Alice Russell
20 Minor Swing - Belleruche

Cd 2. Jazz Crooners

1 It Ain't Necessarily So - Jamie Cullum
2 Tell Him He's Yours　- Michael Buble
3 Thanks for Bringing Love Around Again - Ray Charles
4 Midnight Cannonball　- George Melly ft. Van Morrison
5 The End of the Line　- Torsten Goods
6 Should I Care　- Nils Landgren
7 All of Me　- Bireli Lagrene
8 I Fall in Love Too Easily - Chet Baker
9 La Vie En Rose　- Louis Armstrong
10 The Jumpin'Jive - Cab Calloway
11 Dop-Pop-Da　- Dizzy Gillespie
12 Swanee - Al Jolson
13 Love Is a Tender Trap　- Frank sSinatra
14 Let's Call the Whole Thing Off　- Fred Astaire
15 (I Love You) For Sentimental Reason　- Nat King Cole
16 I Can't Give You Anything But Love - Quintette Du Hot Club De France & Freddy Tay
17 You Rascal You　- Louis Armstrong & Louis Jordan
18 Martin　- Klement Julienne
19 Better Place　- Victor Davies
20 (In a Minor Key) Piano by Gonzales　- Jamie Lidell Multiply

Cd 3. Jazz Legends

1 Mirall - Perico Sambeat & Brad Mehldau
2 The Road Less Travelled - Clare Teal & Jamie Cullum
3 The Essence - Herbie Hancock ft. Chaka Khan
4 To Give Is to Get - Sofi Hellborg & Tony Allen
5 Necessary Evil - Ella Fitzgerald & Louis Armstrong
6 Muse - Kyle Eastwood
7 Move - Miles Davis
8 Use Me - Isa Sand & Nils Landgren
9 Walk on the Wild Side - Andre Ceccarelli
10 O.D.R.I.P - Esbjirn Svensson Trio
11 Bruce Lee - Marcus Miller
12 Summertime - Michel Petrucciani
13 The Stopper - Sonny Rollins
14 Now's the Time - Charlie Parker
15 I've Got You Under My Skin - Stan Getz
16 In the Mood - Glenn Miller
17 I'm in the Mood for Love - Errol Garner
18 Louisiana - Count Basie
19 Ain't Misbehavin - Fats Waller
20 Cheryl - Miles Davis & Charlie Parker

Cd 4. Gypsy Jazz

1 Chicago - Django Reinhardt ft. S. Grappelli
2 Blues Clair - Bireli Lagrene
3 All of Me - Tchavolo Schmitt
4 I Got Rhythm - Didier Lockwood
5 Sweet Chorus (Live in Paris 1992) - Stephane Grappelli
6 Danube - Romane
7 Latsceben - Frederic Belinsky
8 Petite Reine - Daniel Givone
9 Chanson Pour L'auvergnat - Rodolphe Raffalli
10 Nuits De Nador - Francis Alfred Moerman
11 Nous Les Amoureux - Moreni
12 Stompin's at Decca - Hot Club USA
13 Fleur de LAvande - Fapy Lafertin Quintet
14 Nil Swing - Ninine Garcia
15 I'll Close My Eyes - AM Katenes
16 Angera - Trio Givone
17 Jacqueline - Daniel Colin
18 La Promenade - Romane & Stochelo Rosenberg
19 Just for One Babik - Patrick Saussois & Alma Sinti
20 Isn't She Lovely - Sylvain Luc & Bireli Lagrene

Cd 5. New Jazz

1 Come as You Are - Dani Siciliano
2 Bohemias - Da Taz ft. Erik Truffaz
3 Don't Joke with a Hungry Man - Quantic ft. Spanky Wilson
4 No Use - Hazzanova ft. Clara Hill
5 Black Erotica - Ursula Rucker
6 Heidi Bruehl - Tosca
7 A Little Something - Diesler
8 (You Little) Jezebel - Jumbonics
9 The Garden - Nostalgia 77
10 Why Me - Kinny & Horne
11 Good Thing - Splenger
12 Happy - The Bamboos
13 That's the Way If Goes - Micatone
14 Black Baby - Kruder & Dorfmeister
15 Come Away - Sophie Faricy & TM Juke
16 The Sound of Everything - Quantic ft. Alice Russell
17 The Brightness of These Days - Kyoto Jazz Massive ft. Vanessa Freeman
18 Suburban Resident - Ben Mono ft. Bajka
19 Naturally - Slow Train
20 Chronik Break - Beat Assailant ft. Tash

2010-11-12T19:24:00.000-08:00

100 Hits in Jazz

Titolo

100 Hits in Jazz

Etichetta

Sony Music

Prezzo

€ 25,90
Prezzi in altre valute

100 Hits in Jazz

Disco 1
'
1.Miles Davis - Time After Time
2.The Manhattan Transfer - 10 Minutes Till The Savages Come
3.Lyambiko - Here Comes The Sun
4.Dexter Gordon - Isn't She Lovely
5.Otmar Liebert And Luna Negra - Samba Pa Ti
6.New York Voices - Still Crazy After All These Years
7.Tuck And Patty - Woodstock
8.Miles Davis - Human Nature
9.Tommy Emmanuel - Field Of Gold
10.Idris Muhammad - House Of The Rising Sun
11.Weather Report - Birdland
12.Louis Armstrong - What A Wonderful World
13.Steve Tyrell - It Had To Be You
14.Jane Monheit - Honeysuckle Rose
15.Lisa Ekdahl - It Was Just One Of Those Things
16.Tony Bennett - Night And Day
17.Don Braden - Smoke Gets In Your Eyes
18.George Benson - The Shadow Of Your Smile

Disco 2

1.The Dave Brubeck Quartet - Take Five
2.Charlie Byrd - The Girl From Ipanema
3.Joao Gilberto & Stan Getz - Aguas De Marco
4.The Dave Brubeck Quartet - Tonight
5.George Benson - California Dreamin'
6.Paul Desmond - A Taste Of Honey
7.Tony Bennett - A Foggy Day
8.Tuck & Patty - As Time Goes By
9.The Dave Brubeck Quartet - Somewhere
10.Grover Washington Jr - In A Sentimental Mood
11.Duke Ellington & His Orchestra - Stain Doll
12.Les Brown - Just A Gigolo'
13.Tony Bennett - Cheek To Cheek
14.Paquito D'rivera - On Green Dolphin Street
15.Tommy Dorsey & His Orchestra - Opus One
16.Benny Goodman & His Orchestra - Sing Sing Sing (With A Swing) (Live)
17.Carmen Mcrae & The Dave Brubeck Quartet - Take Five

Disco 3

1.Buddy Greco - The Lady Is A Tramp
2.Lisa Ekdahl - Love For Sale
3.Paul Desmond - Samba De Orfeu
4.Duke Ellington And His Orchestra - Take The "A" Train
5.Dominique Eade - Lullaby Of Birland
6.Etta James - These Foolish Things
7.Patti Austin - Lost In The Stars
8.Paul Desmond - Bewitched
9.Aretha Franklin - Somewhere Over The Raibow
10.Gerry Mulligan And Chet Baker - My Funny Valentine
11.The Dave Brubeck Quartet - Georgia On My Mind
12.Miles Davis And John Coltrane - Round Midnight
13.Tommy Dorsey And His Orchestra - I'm Gettin' Sentimental Over You
14.Hoagy Carmichael - Stardust
15.Aretha Franklin - Unforgettable
16.Billie Holiday - The Man I Love

Disco 4

1.Louis Armstrong - Mack The Knife
2.Louis Armstrong - On The Sunny Side Of The Street
3.Rosemary Clooney - Botch-A-Me (Ba-Ba-Ba-Baciami Piccina)
4.Della Reese - I'm Beginning To See The Light
5.Ella Fitzgerald Taking A Chance On Love - I'm In Mood For Love
6.Sarah Vaughan - Ain't Misbehavin'
7.Sarah Vaughan - Nice Work If You Can Get It
8.Paul Desmond - All The Things You Are
9.Rosemary Clooney - Tenderly
10.Aretha Franklin - Only The Lonely
11.Lisa Ekdahl - Lush Life
12.Marcus Roberts Trio - Embraceable You
13.Miles Davis And John Coltrane - Stella By Starlight
14.Coleman Hawkins And His Orchestra - April In Paris
15.Coleman Hawkins And His Orchestra - Body And Soul
16.Paul Desmond - Autumn Leaves (Le Foglie Morte)
17.Bill Evans - Waltz For Debby
18.Miles Davis And John Coltrane - Some Day My Prince Will Come

Disco 5

1.Mundell Lowe And His All Stars - Peter Gunn
2.Stan getz - Don't Cry For Me Argentina
3.Eumir Deodato - Nights In White Satin
4.Weather Report - Balack Market
5.J J Johnson - So What
6.Mundell Lowe - Perry Mason Theme
7.J J Johnson - My Little Suede Shoes
8.Duke Ellington And His Orchestra - Caravan
9.Glen Miller And His Orchestra - Moonlight Serenade
10.Stephane Grappelli And Django Reinhardt - Beyond The Sea (La Mer)
11.Duke Ellington And His Orchestra - Mood Indigo
12.Tuck And Patti - They Can't Take That Away From Me
13.Helen merrill - Why Don't You Do Right
14.The Dave Brubeck Quartet - When You Wish Upon A Star
15.Cab Calloway - Minnie The Moocher
16.Rosemary Clooney - Mambo Italiano
17.Glen Miller And His Orchestra - In The Mood
18.Mahalia Jackson - When The Saints Go Marching In

Disco 6

1.Sarah Vaughan - Summertime
2.Lena Horne - Stormy Weather
3.Paul Desmond - I've Got You Under My Skin
4.Etta James - Come Rain Or Come Shine
5.Sonny Rollins And Herbie Hancock - My One And Only Love
6.Carmen Mcrae - How I Wish
7.Paul Desmond Chet Baker And Jim Hall - You'd Be Nice To Come Home To
8.Dave Brubeck And Paul Desmond - The Song Is You
9.Duke Ellington And His Orchestra - Sophisticated Lady
10.Miles Davis - Corcovado
11.The Dave Brubeck Trio And Gerry Mulligan - Lullaby De Mexico
12.Patti Austin - Havana Candy
13.Ray Barretto - Cocinando
14.Gato Barbieri - Granada

I miei CDs : Best Jazz 100

2010-11-12T17:40:00.000-08:00

VA - Best Jazz 100 - 6 CD (2008)

Year Of Release: September 4, 2006

Label: EMI Europe Generic

Genre: Jazz Collections

Following the fantastic success of the Best 100 series; EMI now present Best Jazz 100 Jazz, a great value 6 disc set. Jazz is the epitome of cool; it is a music of infinite variety and timeless appeal. This 6CD set BEST JAZZ 100 offers just that! This collection features the very best in jazz across the ages: from cool swing to burning Latin; husky vocals to smooth ballads; from the new faces on the scene to the classic artists of yesteryear. With each CD representing a different style: Classic Jazz Vocals; Swing Classics; Latin Jazz; Relaxing Jazz; Jazz Ballads and Legends of Jazz there's something here for everyone.

Disc 1 (CLASSIC JAZZ VOCALS)

Tracklist

01. I Left My Heart In San Francisco - Julie London

02. Something Cool - June Christy

03. My Funny Valentine - Chet Baker

04. Misty Blue - Ella Fitzgerald

05. Darn That Dream - Nancy Wilson

06. Autumn In New York - Jo Stafford

07. April In Paris - Dinah Shore

08. Do Nothing Til You Hear From Me - Abbey Lincoln

09. Day In-Day Out - Mark Murphy

10. It Had To Be You - Dinah Shore

11. Angel Eyes - Jack Jones

12. The Man I Love - Carmen McRae

13. It Don't Mean A Thing - Annie Ross

14. Here's That Rainy Day - Sue Raney

15. Stars Fell On Alabama - Jack Teagerden

16. Blue Moon - Billie Holiday

17. A Foggy Day - Dakota Station

18. Exactly Like You - Dianne Reeves

19. I Ain't Got Nothin' But The Blues - Lou Rawls

20. Something To Live For - Lena Horne

Disc 2 (SWING CLASSICS IN HI-FI)

Tracklist

01. For Dancers Only - Billy May and his Orchestra

02. Stompin' At The Savoy - Benny Goodman And His Orchestra

03. Leap Frog - Les Brown And His Orchestra

04. Satin Doll - Duke Ellington And His Orchestra

05. Let's Dance - Benny Goodman And His Orchestra

06. T'Ain't What You Do - Billy May and his Orchestra

07. Opus No.1 - Glen Gray And The Casa Loma Orchestra

08. Intermission Riff - Stan Kenton And His Orchestra

09. Sleep - Woody Herman And His Orchestra

10. Jumpin' At The Woodside - Benny Goodman And His Orchestra

11. Harlem Air Shaft - Duke Ellington And His Orchestra

12. I'm Beginning To See The Light - Harry James And His Orchestra

13. A Good Man Is Hard To Find - Les Brown And His Orchestra

14. Annie Laurie - Billy May and his Orchestra

15. The Peanut Vendor - Stan Kenton And His Orchestra

16. Come And Get It - Glen Gray And The Casa Loma Orchestra

17. Margie - Billy May and his Orchestra

18. I've Got My Love To Keep Me - Les Brown And His Orchestra

19. Apollo Jumps - Glen Gray And The Casa Loma Orchestra

20. Sing, Sing, Sing - Benny Goodman And His Orchestra

Disc 3 (LATIN JAZZ)

Tracklist

01. Machito - Stan Kenton And His Orchestra

02. Jahberu - Tadd Dameron

03. Tin Tin Deo - James Moody & Chano Pozo

04. Basheer's Dream - Kenny Dorham

05. Cangalegra - Horace Parlan

06. Mambo Inn - Grant Green

07. Paco - Gerald Wilson

08. Agua Dulce - The Jazz Crusaders

09. Favela - Clare Fischer

10. I'm On My Way - Candido

11. Oye Como Va - Bobby Hutcherson

12. Caravan - Chucho Valdes

13. Contagio - Gonzalo Rubalcaba

14. Dance Of Denial - Ray Barretto

15. The Time Is Now - Eliane Elias

Disc 4 (RELAXING JAZZ)

Tracklist

01. At Last - Lou Rawls & Dianne Reeves

02. Makin' Whoopee - The Three Sounds

03. Namely You - Sonny Rollins

04. Time After Time - Cassandra Wilson

05. Infant Eyes - Wayne Shorter

06. In The Winelight - Kurt Elling

07. Cantaloupe Island - Herbie Hancock

08. More Than This - Charlie Hunter & Norah Jones

09. Beatrice - Joe Henderson

10. Lazy Afternoon - Jackie Allen

11. I've Got The World On A String - Joe Lovano

12. Make It Go Away - Holly Cole

13. Deja Vu - Stefon Harris & Jacky Terrasson

14. Don't Worry Be Happy - Bobby McFerrin

Disc 5 (JAZZ BALLADS)

Tracklist

01. Someone To Watch Over Me - Coleman Hawkins

02. Easy Living - Clifford Brown

03. It Never Entered My Mind - Miles Davis

04. Violets For Your Furs - Jutta Hipp & Zoot Sims

05. Moonglow - Benny Goodman

06. Like Someone In Love - George Shearing

07. Stairway To The Stars - Bill Evans & Jim Hall

08. Dancing In The Dark - Cannonball Adderley

09. I'm A Fool To Want You - Dexter Gordon

10. Yesterdays - Stan Kenton And His Orchestra

11. The Good Life - Hank Mobley

12. God Bless The Child - Stanley Turrentine

13. Nature Boy - Ike Quebec

14. Spring Can Really Hang You Up The Most - Zoot Sims

15. Laura - Joe Lovano

Disc 6 (LEGENDS OF JAZZ)

Tracklist

01. Boogie Woogie Stomp - Albert Ammons

02. Summertime - Sidney Bechet

03. Chicago Flyer - Meade Lux Lewis

04. Profoundly Blue - Edmond Hall's Celeste Quartet

05. Topsy - Ike Quebec

06. Jimmy Hamilton & The Duke's Men - Blues For Clarinets

07. Lop-Pow - Babs Gonzales' Three Bips And A Bop

08. Our Delight - Tadd Dameron

09. Boperation - Howard McGhee & Fats Navarro

10. 'Round Midnight - Thelonious Monk

11. Bouncing With Bud - Bud Powell

12. Born To Be Blue - Wynton Kelly

13. Bags' Groove - Milt Jackson

14. Safari - Horace Silver

15. Carvin' The Rock - Lou Donaldson & Clifford Brown

16. Lady Sings The Blues - Herbie Nichols

Nick La Rocca

2010-11-12T17:17:00.001-08:00

Nick La Rocca
Nato da genitori emigrati a New Orleans, città che ospita da sempre una grandissima percentuale d’immigrati siciliani provenienti soprattutto da Palermo e Trapani, Nick La Rocca è considerato un pioniere cornettista del jazz classico.
Suo padre, Girolamo La Rocca, pur essendo anch'egli cornettista, disapprova la passione che il figlio mostra per la cornetta e per la musica jazz: infatti, solo dopo la morte del padre avvenuta nel 1904, Nick ancora quindicenne può dare libero sfogo alla propria passione.
Le sue prime composizioni le suona davanti alla cassiera del teatro vicino casa sua; solo nel 1916 entra a far parte del gruppo di Johnny Stein, che in seguito divenne la famosissima Original Dixieland Jass Band (in seguito il nome verrà mutato in Original Dixieland Jazz Band) e che, a causa di problemi di personalità che affliggevano Nick, venne sciolto varie volte

Maceo Parker

2010-11-12T16:59:00.000-08:00

Spillo il mio maestro di jazz mi ha consigliato di ascoltare Maceo Parker
non dice molto wiki in italiano su maceo bisogna però ricordare a chi non lo sapesse che il funk è uno stile di musica che ha attinenza con gli stili soul music, soul jazz and R&B into a rhythmic, danceable per cui anche il jazz
Maceo viene spiegato meglio nella versione inglese

Qualche link per approfondire
http://it.wikipedia.org/wiki/Maceo_Parke r
http://en.wikipedia.org/wiki/Maceo_Parker
http://www.maceo.com

Jimmy Scott

2010-11-12T16:45:00.000-08:00

Jimmy Scott
fragile come un passerotto ma con una voce da sopranoLa cui vita è stata pesantemente condizionata da una malattia "la sindome di Kallmann"Non ha un grande successo fino alla morte di un suo supporter quando Jimmy canta suo funerale in quel momento lo ascolta il proprietario della casa discografica Warner e lo mette sotto contratto e nel 1992 a 65 anni inizia per lui una nuova vitanel 1992 riceve un Grammy come miglior voce e da allora è un susseguirsi di concerti e album di successo,La sua voce ha qualcosa di profondo sofferto e di intenso che lo rende unico

una serie di link dove ascoltare del buon jazz online

2010-11-12T16:44:00.001-08:00

http://wnua.com/main.htmlWnua Smooth Jazz
http://www.wclk.com/Wclk The Jazz of the city
http://www2.muc.edu/StudentLife/wrmu_91_1/wrmu_91_1_live_internet_broadcast.aspxWrmu 91.1
http://www.jazzexcursion.com/Jazz Excursion
http://www.vocaljazzexcursion.com/Vocal Jazz Excursion
http://www.dinnerjazzexcursion.com/Dinner Jazz Excursion
http://www.smoothjazzexcursion.com/Smooth Jazz Excursion
http://www.smoothjazzgreenbay.com/modules/web/index.php/id/231Smooth Jazz Greenbay
http://www.wicn.org/Worcester's Inter-Collegiate Network
http://www.radio.rai.it/radio3/battiti/index.cfmBattiti Jazz
http://www.animajazz.it/Anima Jazz

Jacqui Dankworth

2010-11-12T16:43:00.000-08:00

Jacqui Dankworth
Ieri sera ho ascoltato un cd di jazz con degli amici, uno dei brani la versione di Blue moon brano facente parte dell'album As the Sun Shines Down del 2004 on Me cantato da Jacqui Dankworth, cantante jazz dalla voce delicata, dolcissima e sensuale.

E' figlia d'arte, figlia della cantante inglese jazz-pop vocalist Cleo Laine e del clarinettista
sassofonista John Dankworth è dotata di grande talento. Ha debuttato nel 1994 con il suo primo album First Cry, in collaborazione con il vibrafonista jazz Anthony Kee,

qualche link per approfondire:

http://www.bbc.co.uk/music/release/nqhj/
http://www.jacquidankworth.com/ pagina ufficiale
My Space di Jacqui Dankworth http://www.myspace.com/jacquidankworth
http://en.wikipedia.org/wiki/Jacqui_Dankworth
http://it.wikipedia.org/wiki/Jacqui_Dankworth

Jazz is not about flat fives

2010-11-12T16:38:00.000-08:00

Jazz is not about flat fives or sharp nines, or metric subdivisions, or substitute chord changes, Jazz is about feeling, communication, honesty, and soul. Jazz is not supposed to boggle the mind. Jazz is meant to enrichthe spirit. Jazz can create jubilance. Jazz can induce melancholy. Jazz can energize. Jazz can soothe. Jazz can make you shake your head, clap your hands, and stomp your feet. Jazz can render you spellbound and hypnotized. Jazz can be soft or hard, heavy or light, cool or hot, bright or dark. Jazz is for your heart. Jazz moves you.
From MoodSwing Joshua Redman

traduzione fatta da me
Il Jazz non è fatto di blu note, o suddivisioni metriche o sostituzione di accordi Il jazz è fatto di sentimento comunicazione onestà e anima. Il jazz non vuole impressionare la mente, Il jazz significa arricchimento dello spirito. Il jazz può creare entusiasmo .Il jazz può indurre alla malinconia. Il Jazz può dare energia.Il jazz può calmare. Il jazz può farti scuotere la testa, può farti battere le mani, e farti pestare i piedi. Il jazz può incantarti ed ipnotizzarti. Il jazz può essere tenero o duro, Pesante o leggero, freddo o caldo, Luminoso o scuro. Il jazz ti trasporta

La musica Jazz

2010-11-12T16:36:00.000-08:00

La musica Jazz si può considerare come un nuovo varco verso altri mondi musicali: un genere che, partendo da un substrato che comprendeva le forme popolari del blues (si può dire che tutta la musica moderna discende dalla poetica spassosa del blues primitivo, che è tutt'altro che un cimento infantile), degli spiritual e della musica bandistica e incorporando via via altre forme di musica nera (ad esempio il ragtime degli anni 1920) arrivò ad utilizzare una base di standard usati come punto di partenza per modificarne di continuo ogni modulo armonico, melodico, e ritmico.
Tutta la musica jazz e derivata è stata definita come colta, appunto per il presupposto che è risultante della conoscenza della musica classica, e delle varie etnie musicali.

Lo stesso non può dirsi per il blues iniziale. Il passaggio di qualità può forse attribuirsi a George Gershwin, musicista di grande valore, figlio di emigranti russi, morto giovanissimo ma che ebbe dei maestri importanti e fu ispirato da autori come Debussy e Ravel. La sua produzione è incredibilmente vasta, ma restano più valide le opere definite minori (circa 700), utilizzate anche ora come standard inesauribili. Ricordiamo che lo stesso Debussy venne influenzato dal jazz, come si può ben vedere in "Golliwogg's Cakewalk", brano posto alla fine del "Children's Corner", una delle sue più celebri suite per pianoforte.

http://it.wikipedia.org/wiki/Storia_del_jazz#Gli_anni_di_New_Orleans_.281900-1920.29:_nascita_di_un_genere

100 Hits in Jazz

2010-11-01T18:25:00.000-07:00

100 Hits in Jazz

Titolo

100 Hits in Jazz

Etichetta

Sony Music

Prezzo

€ 25,90
Prezzi in altre valute

100 Hits in Jazz

Brani

Disco 1
Ascolta 30''
1.	Miles Davis - Time After Time
2.	The Manhattan Transfer - 10 Minutes Till The Savages Come
3.	Lyambiko - Here Comes The Sun
4.	Dexter Gordon - Isn't She Lovely
5.	Otmar Liebert And Luna Negra - Samba Pa Ti
6.	New York Voices - Still Crazy After All These Years
7.	Tuck And Patty - Woodstock
8.	Miles Davis - Human Nature
9.	Tommy Emmanuel - Field Of Gold
10.	Idris Muhammad - House Of The Rising Sun
11.	Weather Report - Birdland
12.	Louis Armstrong - What A Wonderful World
13.	Steve Tyrell - It Had To Be You
14.	Jane Monheit - Honeysuckle Rose
15.	Lisa Ekdahl - It Was Just One Of Those Things
16.	Tony Bennett - Night And Day
17.	Don Braden - Smoke Gets In Your Eyes
18.	George Benson - The Shadow Of Your Smile

Disco 2
Ascolta 30''
1.	The Dave Brubeck Quartet - Take Five
2.	Charlie Byrd - The Girl From Ipanema
3.	Joao Gilberto & Stan Getz - Aguas De Marco
4.	The Dave Brubeck Quartet - Tonight
5.	George Benson - California Dreamin'
6.	Paul Desmond - A Taste Of Honey
7.	Tony Bennett - A Foggy Day
8.	Tuck & Patty - As Time Goes By
9.	The Dave Brubeck Quartet - Somewhere
10.	Grover Washington Jr - In A Sentimental Mood
11.	Duke Ellington & His Orchestra - Stain Doll
12.	Les Brown - Just A Gigolo'
13.	Tony Bennett - Cheek To Cheek
14.	Paquito D'rivera - On Green Dolphin Street
15.	Tommy Dorsey & His Orchestra - Opus One
16.	Benny Goodman & His Orchestra - Sing Sing Sing (With A Swing) (Live)
17.	Carmen Mcrae & The Dave Brubeck Quartet - Take Five

Disco 3
Ascolta 30''
1.	Buddy Greco - The Lady Is A Tramp
2.	Lisa Ekdahl - Love For Sale
3.	Paul Desmond - Samba De Orfeu
4.	Duke Ellington And His Orchestra - Take The "A" Train
5.	Dominique Eade - Lullaby Of Birland
6.	Etta James - These Foolish Things
7.	Patti Austin - Lost In The Stars
8.	Paul Desmond - Bewitched
9.	Aretha Franklin - Somewhere Over The Raibow
10.	Gerry Mulligan And Chet Baker - My Funny Valentine
11.	The Dave Brubeck Quartet - Georgia On My Mind
12.	Miles Davis And John Coltrane - Round Midnight
13.	Tommy Dorsey And His Orchestra - I'm Gettin' Sentimental Over You
14.	Hoagy Carmichael - Stardust
15.	Aretha Franklin - Unforgettable
16.	Billie Holiday - The Man I Love

Disco 4
Ascolta 30''
1.	Louis Armstrong - Mack The Knife
2.	Louis Armstrong - On The Sunny Side Of The Street
3.	Rosemary Clooney - Botch-A-Me (Ba-Ba-Ba-Baciami Piccina)
4.	Della Reese - I'm Beginning To See The Light
5.	Ella Fitzgerald Taking A Chance On Love - I'm In Mood For Love
6.	Sarah Vaughan - Ain't Misbehavin'
7.	Sarah Vaughan - Nice Work If You Can Get It
8.	Paul Desmond - All The Things You Are
9.	Rosemary Clooney - Tenderly
10.	Aretha Franklin - Only The Lonely
11.	Lisa Ekdahl - Lush Life
12.	Marcus Roberts Trio - Embraceable You
13.	Miles Davis And John Coltrane - Stella By Starlight
14.	Coleman Hawkins And His Orchestra - April In Paris
15.	Coleman Hawkins And His Orchestra - Body And Soul
16.	Paul Desmond - Autumn Leaves (Le Foglie Morte)
17.	Bill Evans - Waltz For Debby
18.	Miles Davis And John Coltrane - Some Day My Prince Will Come

Disco 5
Ascolta 30''
1.	Mundell Lowe And His All Stars - Peter Gunn
2.	Stan getz - Don't Cry For Me Argentina
3.	Eumir Deodato - Nights In White Satin
4.	Weather Report - Balack Market
5.	J J Johnson - So What
6.	Mundell Lowe - Perry Mason Theme
7.	J J Johnson - My Little Suede Shoes
8.	Duke Ellington And His Orchestra - Caravan
9.	Glen Miller And His Orchestra - Moonlight Serenade
10.	Stephane Grappelli And Django Reinhardt - Beyond The Sea (La Mer)
11.	Duke Ellington And His Orchestra - Mood Indigo
12.	Tuck And Patti - They Can't Take That Away From Me
13.	Helen merrill - Why Don't You Do Right
14.	The Dave Brubeck Quartet - When You Wish Upon A Star
15.	Cab Calloway - Minnie The Moocher
16.	Rosemary Clooney - Mambo Italiano
17.	Glen Miller And His Orchestra - In The Mood
18.	Mahalia Jackson - When The Saints Go Marching In

Disco 6
Ascolta 30''
1.	Sarah Vaughan - Summertime
2.	Lena Horne - Stormy Weather
3.	Paul Desmond - I've Got You Under My Skin
4.	Etta James - Come Rain Or Come Shine
5.	Sonny Rollins And Herbie Hancock - My One And Only Love
6.	Carmen Mcrae - How I Wish
7.	Paul Desmond Chet Baker And Jim Hall - You'd Be Nice To Come Home To
8.	Dave Brubeck And Paul Desmond - The Song Is You
9.	Duke Ellington And His Orchestra - Sophisticated Lady
10.	Miles Davis - Corcovado
11.	The Dave Brubeck Trio And Gerry Mulligan - Lullaby De Mexico
12.	Patti Austin - Havana Candy
13.	Ray Barretto - Cocinando
14.	Gato Barbieri - Granada

E' Uno dei Set di Cd che ascolto con gli amici che di solito compro o all'IperCoop Virgilio o alla Comet di Levata, è composto da una serie di brani famosi Hits in inglese vuol dire successi, suonati in versione Jazz

Novecento

2009-12-04T16:26:00.000-08:00

I Novecento sono un gruppo musicale italiano di musica pop, jazz e funky, molto attivo negli anni '80 e '90 e tornato in vetta alle classifiche nel 2008 con il singolo Cry dopo quasi un decennio di silenzio in cui la formazione si è dedicata alla produzione di artisti stranieri.

La nascita ufficiale del gruppo risale al 1984. La band è formata dai fratelli Pino, Lino e Rossana Nicolosi a cui si aggiunge la cantante Dora Carofiglio (che successivamente diventerà moglie di Lino). In via informale i quattro suonano insieme già dal 1977 (anno in cui i fratelli Nicolosi conoscono la Carofiglio). I Novecento adottano la formula di suddividersi i vari compiti musicali, cofirmando tuttavia i loro brani.
Prima fase: i primi anni e l'arrivo del successo (1984-1997)

I primi riconoscimenti arrivano durante i loro primi concerti nei club cittadini dove riescono a ricreare atmosfere internazionali durante l'esecuzione dei loro brani grazie ad arrangiamenti semplici e incisivi, lasciando trasparire le influenze jazz, funky e pop di cantanti come Al Jarreau, Stevie Wonder, Chaka Khan, Genesis e Pink Floyd.

Contemporaneamente allestiscono un proprio studio di registrazione, autoproducendo alcuni album la cui distribuzione viene poi affidata a importanti etichette italiane dell'epoca (Five Records, Baby Records, etc.) ed internazionali (WEA, Warner Music, ZTT, etc.).

Il loro primo successo arriva nel 1984: il singolo Movin'on spopola le classifiche italiane con quasi 100.000 copie vendute[1] e la vincita del premio "Miglior rivelazione" assegnato dalla trasmissione televisiva Azzurro '84. Alla fine dello stesso anno esce il singolo The only one e il loro primo album: Novecento.

Nel 1986 il singolo Excessive love viene adottato come jingle per la pubblicità televisiva di una famosa marca di yogurt: questo evento spalanca ai Novecento le porte della produzione degli spot pubblicitari, con molte richieste di produzione di brani originali. Ma il 1986 è anche l'anno del loro secondo album: Dreamland.

Iniziano le partecipazioni stabili a importanti trasmissioni televisive (come il Festivalbar) e radiofoniche, si susseguono tourné (prevalentemente estive), video di successo e la produzione di altri album.

La seconda svolta arriva nel 1995: portati alla ribalta anche all'estero dalla Five Records, i Novecento chiudono un contratto con la ZTT, una tra le più prestigiose case discografiche anglosassoni distribuita dalla Warner Music e, successivamente, con la prestigiosa etichetta statunitense Atlantic.

Il 1997 segna la fine della prima fase artistica dei Novecento: esce l'album C'è un mondo che (l'unico con testi in italiano) ed inizia la loro fase di produttori.
Seconda fase: un nuovo inizio (1998-2002)

Nel 1998 aprono un nuovo studio di registrazione a San Giuliano, città dove risiedono. Questa seconda fase vede i Novecento avvicinarsi molto alla musica jazz: iniziano a produrre artisti internazionali provenienti dal soul e dal funk interessandosi anche degli arrangiamenti.

Producono per Billy Preston l'album You and I che li vede anche come musicisti e arrangiatori. Segue l'album Collection per Osibisa e The Best per i Delegation. Nel 2001 è la volta di Drum'n voice del batterista Billy Cohban: l'album riscuote un enorme successo, tanto da venire distribuito a livello internazionale da ben 24 consorelle della Sony.

In quegli anni nasce ufficialmente la Nicolosi Productions che nel corso degli anni si aggiudica prestigiose produzioni internazionali: Live Takes di Toots Thielemans, In Harmony's way di Jeff Berlin, The things I see di Gary Husband.

Questo periodo di successi si conclude con il loro album Featuring dove i Novecento ripropongono con arrangiamenti soul e jazz molte canzoni degli album prodotti e arrangiati in quegli anni.
Terza fase: il ritorno come band (2008)

Nella primavera del 2008 esce il singolo Cry che scala la vetta della classifica italiana dei singoli e diventa in pochi giorni il brano più scaricato da iTunes.[2] Segue a pochi mesi di distanza Stop the time, altro singolo di successo,[3] entrambi anticipatori dell'album Secret.
Formazione

La formazione della band è sempre rimasta invariata dal 1984 ad oggi:

* Lino Nicolosi (Chitarra)
* Rossana Nicolosi (Basso)
* Pino Nicolosi (Tastiere)
* Dora Carofiglio (Voce)

Discografia
Album studio

* 1984 - Novecento
* 1986 - Dreamland
* 1989 - Shine
* 1991 - Leaving now
* 1992 - Necessary
* 1997 - C'è un mondo che
* 2002 - Featuring
* 2008 - Secret

Wikipedia: Novecento

Earl Hines' Louise

2009-11-24T13:43:00.000-08:00

CAN'T U SEE by Rashid Bhikha featuring Abdul-Malik Ahmad

2009-11-24T13:39:00.000-08:00

Ahmed Abdullah's Diaspora(Dispersions of the Spirit of Ra)

2009-11-24T13:38:00.001-08:00

Abdullah Ibrahim - Desert Air

2009-11-24T13:38:00.000-08:00

Sotto le stelle del jazz - Paolo Conte

2009-11-24T13:30:00.000-08:00

Jazz Session [Nicola Arigliano - Franco Cerri - Gianni Basso - Bruno De Filippi

2009-11-24T13:28:00.000-08:00

Jazz Session [Nicola Arigliano - Franco Cerri - Gianni Basso - Bruno De Filippi Video (Sanremo 4 Marzo 2005)]

Eric Clapton - Layla (jazz version)

2009-11-24T13:27:00.000-08:00

Aristogatti Tutti quanti vogliono fare jazz

2009-11-24T13:26:00.000-08:00

GALLIANO/PADUART/KATCHE/BONA

2009-11-24T13:22:00.000-08:00

DJ Krush & Toshinori Kondo - Bu-Seki

2009-11-23T18:25:00.000-08:00

Joe Williams With King Kolax Everyday I Have The Blues 1953 Checker 762 78 rpm

2009-11-23T18:22:00.000-08:00

Joe Williams With King Kolax Everyday I Have The Blues 1953 Checker 762 78 rpm

JIMMY KNEPPER Trieste 4th Feb,1987

2009-11-23T18:19:00.000-08:00

Barney Kessel -

2009-11-23T18:07:00.000-08:00

Astrud Gilberto

2009-11-18T11:40:00.000-08:00

Eliane Elias

2009-11-18T11:34:00.000-08:00

Flora Purim

2009-11-18T11:27:00.000-08:00

Flora Purim

Sergio Cammariere

2009-11-17T15:46:00.000-08:00

Mario Biondi

2009-11-16T10:27:00.000-08:00

Alice Ricciardi

2009-11-14T06:19:00.000-08:00

Alice Ricciardi, è l'unica italiana che ha inciso per la Blue Note-Emi ( una delle etichette discografiche dei miti del jazz)

http://www.myspace.com/alicericciardi

paul desmond samba de orfeo

2009-11-13T17:18:00.000-08:00

Lisa Ekdahl - Love For Sale

2009-11-13T17:16:00.000-08:00

Lisa Ekdahl - Love For Sale

Buddy Greco - The Lady Is A Tramp

2009-11-13T17:13:00.000-08:00

Buddy Greco - She Loves Me

2009-11-13T17:11:00.000-08:00

Buddy Greco - She Loves Me

atlantic five jazz band

2009-11-12T16:09:00.000-08:00

http://musicaitaliana.tv/jazz/